Filme

Filme , também chamado filme ou filme , série de fotografias estáticas em filme, projetadas em rápida sucessão em uma tela por meio da luz. Por causa do fenômeno óptico conhecido como persistência da visão, isso dá a ilusão de um movimento real, suave e contínuo.

Doutor Jivago

Doutor Jivago David Lean (sentado no topo de uma escada) durante as filmagens de Doutor Jivago (1965). 1965 Metro-Goldwyn-Mayer Inc.



O cinema é um meio notavelmente eficaz para transmitir drama e, especialmente, para evocar emoções. A arte do cinema é extremamente complexa, exigindo contribuições de quase todas as outras artes, bem como inúmeras habilidades técnicas (por exemplo, em gravação de som, fotografia e óptica). Surgida no final do século 19, essa nova forma de arte se tornou uma das mídias mais populares e influentes do século 20 e além.



Como um empreendimento comercial, oferecendo narrativas ficcionais para grandes públicos nos cinemas, o filme foi rapidamente reconhecido como talvez a primeira forma de entretenimento verdadeiramente de massa. Sem perder seu amplo apelo, o meio também se desenvolveu como meio de expressão artística em áreas como atuação , direção, roteiro, cinematografia , figurino e cenografia e música.

Características essenciais do filme

Em sua curta história, a arte do cinema freqüentemente passou por mudanças que pareciam fundamentais, como as decorrentes da introdução do som. Ele existe hoje em estilos que diferem significativamente de país para país e em formas tão diversas quanto o documentário criado por uma pessoa com uma câmera de mão e o épico multimilionário envolvendo centenas de performers e técnicos.



Vários fatores vêm imediatamente à mente em conexão com a experiência do filme. Por um lado, há algo levemente hipnótico na ilusão de movimento que prende a atenção e pode até diminuir a resistência crítica. A precisão da imagem do filme é atraente porque é feita por um processo científico não humano. Além disso, o filme dá o que foi chamado de uma forte sensação de estar presente; a imagem do filme sempre parece estar no tempo presente. Existe também a natureza concreta do filme; parece mostrar pessoas e coisas reais.

Não menos importante do que qualquer uma das opções acima são as condições em que o filme é idealmente visto, onde tudo ajuda a dominar os espectadores. Eles são retirados de seu ambiente cotidiano, parcialmente isolados dos outros e confortavelmente sentados em um auditório escuro. A escuridão concentra sua atenção e impede a comparação da imagem na tela com objetos ou pessoas ao redor. Por algum tempo, os espectadores vivem no mundo em que o filme se desenrola.

Mesmo assim, a fuga para o mundo do filme não está completa. Raramente o público reage como se os eventos na tela fossem reais - por exemplo, abaixando-se diante de uma locomotiva em movimento em um efeito tridimensional especial. Além disso, tais efeitos são considerados uma forma relativamente baixa da arte do cinema. Com muito mais frequência, os espectadores esperam que um filme seja mais fiel a certas convenções não escritas do que ao mundo real. Embora os espectadores possam às vezes esperar o realismo exato nos detalhes do vestido ou local, da mesma forma que esperam que o filme escape do mundo real e os faça exercitar sua imaginação, uma demanda feita por grandes obras de arte em todas as formas.



O sentido de realidade que a maioria dos filmes busca resultados a partir de um conjunto de códigos, ou regras, que são implicitamente aceitos pelos espectadores e confirmados por meio de filmes habituais. O uso de iluminação acastanhada, filtros e adereços, por exemplo, passou a significar o passado em filmes sobre a vida americana no início do século 20 (como em O padrinho [1972] e Dias do paraíso [1978]). O tom acastanhado que está associado a tais filmes é um código visual destinado a evocar as percepções do espectador de uma era anterior, quando as fotos eram impressas em sépia ou tons de marrom Os códigos de narrativa são ainda mais evidentes em sua manipulação da realidade real para obter um efeito de realidade. O público está preparado para pular grandes extensões de tempo para chegar aos momentos dramáticos de uma história. A Batalha de Argel (1966; A Batalha de Argel ), por exemplo, começa em uma câmara de tortura onde um rebelde argelino capturado acaba de revelar a localização de seus companheiros. Em questão de segundos, esse local é atacado, e o impulso da missão de busca e destruição leva o público a acreditar na fantástica velocidade e precisão da operação. Além disso, o público aceita prontamente as tomadas de pontos de vista impossíveis se outros aspectos do filme sinalizarem que a tomada é real. Por exemplo, os rebeldes em A Batalha de Argel são mostrados dentro de um esconderijo cercado por paredes, mas essa visão irreal parece autêntica porque a fotografia granulada do filme joga com a associação inconsciente do espectador de imagens em preto e branco pobres com cinejornais.

O padrinho

O padrinho Salvatore Corsitto (à esquerda) e Marlon Brando em O padrinho (1972), dirigido por Francis Ford Coppola. 1972 Paramount Pictures Corporation

A fidelidade na reprodução dos detalhes é muito menos importante do que o apelo feito pela história a uma resposta emocional, um apelo baseado em características inatas do meio cinematográfico. Essas características essenciais podem ser divididas entre aquelas que dizem respeito principalmente à imagem em movimento, aquelas que dizem respeito ao cinema como um meio único para obras de arte e aquelas que derivam da experiência de ver filmes.



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