Atuando

Atuando , o desempenho arte em que movimento, gesto e entonação são usados ​​para realizar um personagem fictício para o palco, para o cinema ou para a televisão.

Atuar é geralmente aceito como uma questão menos de mimetismo, exibicionismo ou imitação do que de capacidade de reagir a estímulos imaginários. Seus elementos essenciais continuam sendo os requisitos gêmeos enunciados pelo ator francês François-Joseph Talma em sua homenagem ao ator Lekain (1825): uma sensibilidade extrema e uma inteligência profunda. Para Talma, é a sensibilidade que permite ao ator marcar seu rosto com as emoções do personagem que está interpretando e transmitir as intenções do dramaturgo, o implicações do texto, e os movimentos da alma do personagem. Inteligência - a compreensão do funcionamento da personalidade humana - é a faculdade que ordena essas impressões para o público.



Os problemas essenciais na atuação - aqueles de saber se o ator realmente sente ou apenas imita, se ele deve falar naturalmente ou retoricamente, e o que realmente constitui sendo naturais - são tão antigos quanto Teatro em si. Eles estão preocupados não apenas com a atuação realista, que surgiu no teatro do século 19, mas com a própria natureza do processo de atuação.



O efêmero natureza da atuação a deixou sem muitos fundamentos práticos e apenas algumas tradições teóricas. Em meados do século 18, o crítico e dramaturgo alemão Gotthold Ephraim Lessing chamou a atenção para esta dificuldade: Temos atores mas não temos arte de representar. Em um campo artístico onde as medidas de grandeza são tradicionalmente os relatos subjetivos de testemunhas ou críticos, a compreensão da arte permaneceu naturalmente em disputa. Permanece tão verdadeiro hoje quanto quando afirmado por George Henry Lewes em seu Sobre Atores e a Arte de Atuar (1875):

Já ouvi aqueles cujas opiniões em outras direções meu respeito é grande, julgamentos profundos sobre este assunto que provaram que eles nem mesmo suspeitavam do que realmente é a arte de atuar.



Os esforços para definir a natureza de uma arte ou ofício geralmente baseiam-se nas obras-primas da área. Sem esse ponto de referência necessário, vagas especulações e generalizações - sem prova de validade - são prováveis. Nas artes visuais, musicais e literárias, essa base existe; o trabalho dos grandes mestres do passado e do presente serve não apenas para elucidar a arte, mas também para criar padrões a serem imitados. É difícil imaginar qual seria o atual estado de compreensão da música se apenas a música de hoje estivesse disponível, e as realizações de Monteverdi, Bach, Beethoven e Mozart só pudessem ser conhecidas por boatos. No entanto, esta é precisamente a situação que existe na atuação. O ator, nas palavras do ator americano do século 19, Lawrence Barrett, está sempre esculpindo uma estátua de neve. É por isso que a compreensão da atuação não é igual à apreciação dela e por que o processo criativo do ator desafia a compreensão.

Teorias de tradições

Ao longo da história do teatro, o debate continuou sobre a questão de saber se o ator é um artista criativo ou simplesmente um intérprete. Uma vez que o desempenho do ator é geralmente baseado no Reproduzir , e o dramaturgo é considerado um artista criativo, às vezes se conclui que o ator deve ser apenas um artista interpretativo. Alguns expoentes modernos da criatividade do ator indiretamente aceitaram essa visão e se voltaram, portanto, para o teatro não verbal. Mas outros negam que esse recurso ao primitivismo seja necessário para tornar a atuação uma arte criativa. Quando compositores como Schubert ou Schumann criaram cenários musicais para os poemas de Heine ou Goethe, sua música não perdeu sua natureza essencialmente criativa. Verdi usou o Otelo e Falstaff de Shakespeare para suas grandes óperas, mas sua música não é menos criativa por isso. Quando um artista meramente imita o trabalho de outro artista no mesmo meio, isso pode ser apropriadamente chamado de não criativo; o artista original já resolveu os problemas básicos de execução e seu padrão é simplesmente seguido pelo imitador. Tal trabalho pode ser considerado apenas um exercício de habilidade (ou de execução). Um artista em um meio que usa uma obra de arte de outro meio como assunto, entretanto, deve resolver os problemas colocados por seu próprio meio - uma realização criativa. Portanto, é muito apropriado falar de um personagem como se ele fosse uma criação do ator - do Hamlet de John Gielgud, por exemplo, ou de John Barrymore ou de Jonathan Pryce. Como um meio oferece potencial para criatividade, é claro, isso não significa que todos os seus praticantes sejam necessariamente criativos: há artistas imitadores em todos os meios. Mas a atuação só pode ser entendida depois de primeiro ser reconhecida como um meio criativo que exige um ato criativo. Em The Art of Acting, o professor de teatro americano Brander Matthews comentou:

O ator precisa ter sob controle não apenas seus gestos e tons, mas todos os outros meios de estimular a sensibilidade e estes devem estar prontos para uso em todos os momentos, totalmente independentes das palavras do texto.



Na mesma obra citou com aprovação as palavras do grande trágico italiano do século XIX Ernesto Rossi de que um grande ator é independente do poeta, porque a suprema essência do sentimento não reside na prosa ou no verso, mas no sotaque com qual é entregue. E até mesmo Denis Diderot , o filósofo francês do século 18, cujo famoso Paradoxo de Atuar (escrito de 1773 a 1778; publicado em 1830) é tratado abaixo e quem era ele mesmo um dramaturgo, declarou:

mesmo com o mais claro, o mais preciso, o mais poderoso dos escritores, as palavras não são mais, e nunca podem ser mais, do que símbolos, indicando um pensamento, um sentimento ou uma ideia; símbolos que precisam de ação, gesto, entonação e um todo contexto das circunstâncias, para lhes dar pleno significado.

Se a arte de representar é considerada meramente interpretativa, os elementos externos da habilidade do ator tendem a ser enfatizados, mas, quando a atuação é reconhecida como uma arte criativa, leva inevitavelmente à busca de recursos mais profundos que estimulem a imaginação do ator e sensibilidade. Essa busca apresenta problemas difíceis. O ator deve aprender a treinar e controlar o material mais sensível disponível para qualquer artesão: o organismo vivo de um ser humano em todas as suas manifestações - mentais, físicas e emocionais. O ator é ao mesmo tempo o piano e o pianista.



Atuar não deve ser confundido com pantomima, que é uma forma de movimentos e gestos externos que descreve um objeto ou evento, mas não seu significado simbólico. Da mesma forma, o ator não deve ser confundido com um imitador. Muitos dos melhores imitadores são incapazes de agir em sua própria pessoa ou de criar um personagem que seja uma extensão de si mesmos, em vez de uma imitação de outra pessoa. Nem atuar é mero exibicionismo; a capacidade de se exibir ou entreter em festas é bastante diferente do talento exigido do ator - a capacidade de se colocar em outro personagem, de criar através da performance um evento inexistente e trazê-lo à sua realização lógica, e de repetir essa performance não apenas quando a pessoa está de bom humor, mas também em horários e lugares específicos, independentemente de seus próprios sentimentos em cada ocasião.

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