Música eletrônica
Música eletrônica , qualquer música que envolva processamento eletrônico, como gravação e edição em fita, e cuja reprodução envolva o uso de alto-falantes.
órgão eletrônico Órgão eletrônico. r4Rick
Embora qualquer música produzida ou modificada por meios elétricos, eletromecânicos ou eletrônicos possa ser chamada de música eletrônica, é mais preciso dizer que para uma peça musical ser eletrônica, seu compositor deve antecipar o processamento eletrônico posteriormente aplicado ao seu musical conceito, de forma que o produto final reflita de alguma forma a interação do compositor com o meio. Isso não é diferente de dizer que um compositor deve ter em mente uma orquestra ao compor uma sinfonia e um piano ao compor um piano sonata . Uma peça convencional de música popular não se torna música eletrônica por ser tocada em uma guitarra amplificada eletronicamente, nem um Bach a fuga torna-se música eletrônica se tocada em um órgão eletrônico em vez de uma flauta órgão . Alguns experimentais composições , muitas vezes contendo elementos aleatórios e talvez de pontuação indeterminada, permitem, mas não exigem necessariamente a realização eletrônica, mas esta é uma situação especializada.
A música eletrônica é produzida a partir de uma ampla variedade de recursos sonoros - desde sons captados por microfones até aqueles produzidos por osciladores eletrônicos (gerando formas de onda acústicas básicas, como ondas sinusoidais, ondas quadradas e ondas dente de serra), instalações complexas de computador e microprocessadores - que são gravados em fita e depois editados em uma forma permanente. Geralmente, exceto para um tipo de música tocada que passou a ser chamada de música eletrônica ao vivo ( Veja abaixo ), a música eletrônica é reproduzida por meio de alto-falantes, isoladamente ou em combinação com instrumentos musicais .
Este artigo cobre a experimentação inicial com dispositivos de produção de som eletrônico e a exploração subsequente de equipamentos eletrônicos pelos compositores como uma técnica de composição . Ao longo da discussão, deve ficar claro que a música eletrônica não é um estilo, mas sim uma técnica que produz diverso resulta nas mãos de diferentes compositores.
Historicamente, a música eletrônica é um aspecto do maior desenvolvimento da música do século 20 fortemente caracterizada pela busca por novos recursos técnicos e modos de expressão. Antes de 1945, os compositores procuravam libertar-se da principal tradição clássico-romântica do pensamento tonal e reconstruir o seu pensamento em novas linhas, na sua maioria neoclássicas ou atonais e 12 tons, em que uma composição é inteiramente construída a partir de umatomlinha consistindo em todas as 12 notas da escala cromática comum.
Este período pré-Segunda Guerra Mundial foi acompanhado por experimentação substancial com dispositivos elétricos e eletrônicos. O resultado mais importante para o compositor foi o desenvolvimento de uma série de instrumentos musicais eletrônicos (como o órgão Hammond e o theremin ) que forneceu novos timbres e lançou as bases técnicas para o desenvolvimento futuro da música eletrônica propriamente dita a partir de cerca de 1948. O rápido desenvolvimento do computador tecnologia teve seu efeito na música também, tanto que o termo música de computador está substituindo música eletrônica como a descrição mais precisa da interação mais significativa entre o compositor e o meio eletrônico.
A música eletrônica é representada não apenas por uma grande variedade de obras do século 20 e não apenas por peças de concerto sérias, mas também por uma substancial literatura de teatro, filme , e partituras de televisão e por obras multimídia que usam todos os tipos de técnicas audiovisuais. A música eletrônica para teatro e filmes parece um substituto especialmente apropriado para uma orquestra incorpórea e inexistente ouvida de uma fita ou trilha sonora. A música popular eletrônica também conquistou adeptos. Isso consistiu principalmente em arranjos de música popular padrão para sintetizadores eletrônicos, o uso provisório de alterações eletrônicas por alguns dos mais ambiciosos e experimentais pedra grupos e a preparação de gravações por meio de técnicas de estúdio inovadoras.
História e desenvolvimento estilístico
Começos
Durante o século 19, foram feitas tentativas de produzir e gravar sons mecanicamente ou eletromecanicamente. Por exemplo, o cientista alemão Hermann von Helmholtz traçou formas de onda de sons regulares para verificar os resultados de suas pesquisas acústicas. Um evento importante foi a invenção do fonógrafo por Thomas Edison e Emile Berliner, independentemente, nas décadas de 1870 e 1880. Esta invenção não apenas marcou o início da indústria fonográfica, mas também mostrou que todo o conteúdo acústico dos sons musicais poderia ser capturado (em princípio, se não na realidade naquela época) e ser fielmente retido para uso futuro.
O primeiro grande esforço para gerar sons musicais eletricamente foi realizado ao longo de muitos anos por um americano, Thaddeus Cahill, que construiu um formidável montagem de geradores rotativos e receptores telefônicos para conversão de sinais elétricos em som. Cahill chamou sua notável invenção de telharmonium, que ele começou a construir por volta de 1895 e continuou a melhorar por anos a partir de então. O instrumento falhou porque era complexo, impraticável e não podia produzir sons de qualquer magnitude, uma vez que amplificadores e alto-falantes ainda não haviam sido inventados. No entanto, os conceitos de Cahill eram basicamente sólidos. Ele foi um visionário que viveu à frente de seu tempo, e seu instrumento foi o ancestral dos atuais sintetizadores de música eletrônica.
O pintor futurista italiano Luigi Russolo foi outro expoente da música sintetizada. Já em 1913, Russolo propôs que toda a música fosse destruída e que novos instrumentos refletindo a tecnologia atual fossem construídos para executar uma música expressiva da sociedade industrializada. Posteriormente, Russolo construiu uma série de mecanismos ativados mecanicamente entonação de ruído (instrumentos de ruído) que rangeram, assobiaram, arranharam, rugiram e gritaram. Os instrumentos de Russolo e a maior parte de sua música aparentemente desapareceram durante a Segunda Guerra Mundial.
Impacto dos desenvolvimentos tecnológicos
Entre a Primeira Guerra Mundial e a Segunda Guerra Mundial, ocorreram desenvolvimentos que levaram mais diretamente à música eletrônica moderna, embora a maioria deles fosse tecnicamente, e não musicalmente, importante. Primeiro foi o desenvolvimento da tecnologia de frequência de áudio. No início da década de 1920, os circuitos básicos para geradores de onda senoidal, quadrada e dente de serra foram inventados, assim como amplificadores, circuitos de filtro e, o mais importante, alto-falantes. (Ondas senoidais são sinais que consistem em tons puros, ou seja, sem sobretons; ondas dente de serra incluir tons fundamentais e todos os tons relacionados; ondas quadradas consistem apenas em parciais ímpares, ou tons componentes, da série harmônica natural.) Além disso, a gravação acústica mecânica foi substituída pela gravação elétrica no final dos anos 1920.
O segundo foi o desenvolvimento de instrumentos musicais eletromecânicos e eletrônicos projetados para substituir os instrumentos musicais existentes - especificamente, a invenção dos órgãos eletrônicos. Esta foi uma conquista notável e que absorveu a atenção de muitos inventores e designers de circuitos engenhosos. Deve-se ressaltar, entretanto, que o objetivo desses construtores de órgãos era simular e substituir órgãos de tubos e harmônios, não fornecer instrumentos novos que estimulassem a imaginação de compositores de vanguarda.
A maioria dos órgãos eletromecânicos e eletrônicos emprega síntese subtrativa, assim como os órgãos de tubos. Sinais ricos em parciais harmônicos (como ondas dente de serra) são selecionados pelo executor no teclado e combinados e formados acusticamente por circuitos de filtro que simulam o formante, ou frequência de ressonância, espectros - ou seja, os componentes acústicos - de paradas de órgão convencionais. O formante depende do circuito do filtro e não se relaciona com a frequência de um tom que está sendo produzido. Um tom baixo moldado por um determinado formante (um determinado stop) é normalmente rico em harmônicos, enquanto um tom alto normalmente é pobre neles. Psicologicamente, espera-se isso de todos os instrumentos musicais, não apenas órgãos, mas também instrumentos orquestrais.
Alguns órgãos eletrônicos operam com o princípio oposto da síntese aditiva, em que ondas senoidais geradas individualmente são somadas em proporções variáveis para produzir uma forma de onda complexa. O mais bem-sucedido deles é o órgão Hammond, patenteado por Laurens Hammond em 1934. O órgão Hammond tem qualidades estranhas porque a riqueza de seu conteúdo harmônico não diminui à medida que o músico sobe no teclado. O compositor alemão Karlheinz Stockhausen (em momentos , 1961-62), o compositor norueguês Arne Nordheim (em Coloração , 1968), e alguns outros pontuaram especificamente para este instrumento.
O terceiro foi o desenvolvimento de novos instrumentos musicais eletrônicos projetados para fornecer timbres não fornecidos por instrumentos musicais comuns. Durante a década de 1920, houve um surto de interesse na construção de uma variedade extraordinária de tais instrumentos, que vão do prático ao absurdo. Os mais bem-sucedidos desses eram relativamente poucos em número, eram monofônicos (ou seja, podiam tocar apenas uma linha melódica por vez) e sobreviveram principalmente porque algumas músicas importantes foram compostas para eles. Estes são os theremin , inventado em 1920 por um cientista russo, Leon Theremin; a martenot Ondes, construída pela primeira vez em 1928 pelo músico e cientista francês Maurice Martenot; e o trautônio, projetado por um alemão, Friedrich Trautwein, em 1930.
O theremin é um oscilador de áudio de frequência de batida (gerador de onda senoidal) que possui dois condensadores colocados não dentro do chassi do circuito, mas fora, como antenas. Como essas antenas respondem à presença de objetos próximos, o tom e a amplitude do sinal de saída do theremin podem ser controlados pela maneira como o artista move as mãos nas proximidades. Um artista habilidoso pode produzir todos os tipos de efeitos, incluindo escalas, glissandi e vibração. Várias composições foram escritas para este instrumento desde 1920.
O Ondes martenot consiste em um teclado sensível ao toque e um gerador de glissando de fio deslizante que são controlados pela mão direita do artista, bem como alguns batentes controlados pela mão esquerda. Estes, por sua vez, ativam um gerador de onda dente de serra que fornece um sinal a um ou mais transdutores de saída. O instrumento foi usado extensivamente por vários compositores franceses, incluindo Olivier Messiaen e Pierre Boulez, e pelo compositor franco-americano Edgard Varese .
O trautônio, como a martenota Ondes, usa um gerador de onda dente de serra como fonte de sinal e um teclado de design inovador que permite não apenas a afinação comum, mas também escalas incomuns. A maior parte da música composta para este instrumento é de origem alemã, a exemplo do Concertino para Trautônio e Cordas (1931) por Paul Hindemith. Por volta de 1950, uma versão polifônica (capaz de reproduzir várias vozes, ou partes, simultaneamente) desse instrumento foi construída por Oskar Sala, um ex-aluno de Trautwein e Hindemith, para preparar trilhas sonoras em um estúdio de cinema de Berlim. Esses instrumentos tornaram-se virtualmente obsoletos, no entanto, porque todos os sons que eles produzem podem ser facilmente duplicados por sintetizadores de música eletrônica.
Compartilhar:
