Sinfonia

Sinfonia , uma forma longa de composição musical para orquestra, normalmente consistindo de várias grandes seções, ou movimentos, pelo menos um dos quais geralmente emprega forma sonata (também chamado de forma do primeiro movimento).



sinfonia realizando um concerto

sinfonia realizando um concerto Sinfonia realizando um concerto no Svetlanov Hall, Moscow International House of Music. Pavel Losevsky / Fotolia



As sinfonias nesse sentido começaram a ser compostas durante o chamado período clássico da história da música europeia, por volta de 1740-1820. A primeira parte deste período e a década imediatamente anterior são às vezes chamadas de pré-clássicas, assim como as sinfonias escritas antes de 1750. Durante o século 19, que incluiu o período romântico, as sinfonias ficaram mais longas e os compositores se preocuparam com as formas de unificando os movimentos; programas extramusicais e novas abordagens em relação à tonalidade (o sistema maior-menor de progressões de acordes) estavam entre as soluções para os problemas da forma sinfônica em grande escala. No final do século, as sinfonias - e orquestras - cresceram a tal ponto que a reação começou, culminando no movimento neoclássico do início do século 20, no qual os compositores voltaram-se novamente para os princípios do equilíbrio e do formalismo. disciplina , usando novas técnicas para alcançar dinâmico coerência . Considerações econômicas forçaram uma redução no tamanho das orquestras e na quantidade de tempo de ensaio disponível para compositores de meados do século 20, justificando ainda mais um retorno a um pensamento sinfônico menos extravagante.



Ao longo do século 19, no entanto, uma série de sinfonistas proeminentes foram capazes de conciliar as demandas da moda com lógica musical estrita. Esses compositores representam a corrente principal da atividade sinfônica, e suas obras permaneceram modelos para grande parte da atividade do século 20 na gênero . Ao longo do artigo seguinte, duas preocupações predominam: um levantamento das principais obras sinfônicas e compositores e consideração da evolução do pensamento sinfônico.

O conceito de sinfonia antes c. 1750

A palavra sinfonia foi usado pelos gregos em referência a notas soando juntas em harmonia e por extensão significava um conjunto ou banda em vez de um forma musical . A palavra implica uma agradável concordância de notas diferentes e tem sido usada em outros campos além da música para denotar uma combinação agradável de vários elementos. No Evangelho do Novo Testamento de acordo com Lucas (King James Version), sinfonia é traduzido como musick, distinto de choroi , dançando. Na Idade Média, o nome foi dado a vários instrumentos musicais , entre eles um bicéfalo tambor , instrumentos de cordas em arco, um grande ruge-gurdy e gaita de foles. A menção é feita em 1582 de uma sinfonia , evidentemente uma corda instrumento de teclado .



A partir de meados do século 16, sinfonia (e grafias relacionadas) é um termo freqüentemente encontrado em títulos nos quais ele simplesmente indicava música em conjunto, seja para instrumentos com vozes ou isoladamente. Uma coleção de madrigais publicada em Antuérpia em 1585 é intitulado Symphonia angelica ... coleção para Huberto Waelrant . Exemplos notáveis ​​posteriores são os musica sacra do compositor veneziano Giovanni Gabrieli (Livro I, 1597; Livro II, 1615), coleções de elaboradas instrumental e música vocal, muitas vezes para vários coros ; e a musica sacra de seu célebre aluno alemão, Heinrich Schütz (1629, 1647, 1650). A coleção de Schütz revela sua dívida para com o estilo italiano colorido e brilhantemente orquestrado em obras que variam de várias vozes a grandes policorais composições com partes solo e instrumentos. De seu compatriota Samuel Scheidt 70 sinfonias em estilo concerto (1644) da mesma forma combinam conjuntos instrumentais e vocais para enriquecer a textura e aumentar o drama de sua música.



Sinfonias apenas para instrumentos durante o início da era barroca ( c. 1600–30) ocorrem como peças independentes e como introduções ou interlúdios em produções teatrais. A sinfonia do italiano Biagio Marini Orlandia (1617) é um dueto para violino ou cornetto (um instrumento de sopro com orifícios para os dedos e bocal em forma de xícara) e continuo em cinco breves contíguo seções, distinguidas por medidores contrastantes e novos melódico material em cada seção. (O continuo é um harmônico acompanhamento improvisado sobre a linha de baixo escrita, geralmente tocado em um instrumento de teclado e uma viola ou outro instrumento de melodia de baixo.) As primeiras óperas geralmente incluem sinfonias instrumentais. Jacopo Peri 's Eurídice (realizado pela primeira vez em 1600) inclui uma sinfonia para três flautas ; O pródigo drama musical de Claudio Monteverdi Orfeu (1607) é pontuado com cinco sinfonias ricamente pontuadas, enquanto um sinfonia de guerra (sinfonia de guerra) acompanha uma batalha encenada em seu O retorno de Ulisses à sua terra natal ( O retorno de Ulisses ao seu país ; 1641). Cada ato da ópera de Stefano Landi O Sant’Alessio (1632) abre com uma sinfonia seccional. Muitos outros compositores de ópera e oratório usaram sinfonias curtas descritivas ou introdutórias, com freqüência de forma seccional com metros e ritmos contrastantes.

Coube a um napolitano, Alessandro Scarlatti (1660-1725), formalizar a abertura de suas óperas como um rápido-lento-rápido sinfonia à frente da ópera , como em sua ópera Do mal para o bem (1681; Good from Evil). A chamada abertura italiana desta e de outras obras posteriores, pontuada para cordas e continuo, tem sido amplamente considerada como contendo o germe da sinfonia posterior de três movimentos. Em contraste com a abertura francesa mais contrapontística (baseada em linhas melódicas entrelaçadas), que começa com um movimento lento pomposo e continua em uma seção fugal (envolvendo a imitação de uma melodia entre várias vozes), o estilo italiano é imediatamente melódico e predominantemente homofônico ( cordal) na textura. O primeiro movimento rápido pode ser trivial; seu fraseado simétrico é inexpressivo. O segundo movimento contrastante pode ser mais lírico, talvez antecipando melodias ouvidas mais tarde na ópera. O último movimento, às vezes um minueto, é um exuberante levantamento da cortina. Esse formato se espalhou rapidamente fora da Itália, até mesmo na França. De Jean-Philippe Rameau Zoroastrismo (1749), por exemplo, inclui essa abertura rápido-lento-rápido. Rameau, de fato, foi considerado um expoente do estilo italiano, principalmente em seu lúcido harmônico tratamento. Essa preocupação do barroco tardio com a clareza tonal prefigurou as atitudes dos primeiros sinfonistas clássicos. Entre os dispositivos usados ​​para garantir clareza estão melodias construídas de arpejadas (semelhantes a harpa ou quebradas) acordes e passagens em uníssono ou em terças ou sextas paralelas (sequências de harmonias formadas por terças, como C – E ou D – F, ou sextas, como C – A ou D – B). Essas características não são comuns na música barroca, que é estritamente contrapontística em sua textura.



Embora a abertura da ópera tenha se estabelecido em uma forma que acabou inspirando os primeiros sinfonistas, o termo sinfonia , ou sinfonia , ainda não tinha uma definição formal. Ainda em 1771, o Encyclopædia Britannica , refletindo o uso do grego antigo, definia a sinfonia meramente como ... uma consonância ou concerto de vários sons agradáveis ​​ao ouvido, sejam vocais ou instrumentais, também chamada de harmonia. Sinfonia foi usado alternadamente com show , consorte , abertura , após , e assim por diante. Normalmente, um breve interlúdio instrumental, como em uma música, era chamado de sinfonia, mesmo no século XIX. No final da era barroca ( c. 1700-50) o termo foi aplicado a peças diferentes como Johann Sebastian Bach 'S ENSINO Invenções de três partes para teclado, chamado Sinfonias na cópia de 1723, e a orquestral Pastoral Symphony, um interlúdio quase descritivo em George Frideric Handel 'S messias (composto em 1741), que se diz ter sido baseado em uma melodia de gaita de foles de pastor italiano e muito na tradição de sinfonias descritivas anteriores na ópera.

De Bach Sinfonia VII em mi menor e Sinfonia XI em Sol Menor são interessantes porque em cada peça o material de abertura é recorrente no final. Dentro Sinfonia VII esta repetição é apenas sugerida, mas em Sinfonia XI os últimos oito compassos da peça virtualmente duplicam os primeiros oito. Todo o corpo intermediário dessas peças desenvolve o material motívico apresentado no início, e o material inicial é transformado de forma contrapontística e harmônica. Nas barras de fechamento, a tensão assim despertada se resolve e o rítmico conduza as rédeas. Esta sugestão de uma unidade expositiva saindo de casa chave para uma chave diferente, seguido por um desenvolvimento estendido que explora ainda mais chaves remotas e as motivações e contrapontísticas implicações do início, concluindo com uma recapitulação em que a energia do desenvolvimento é um tanto dissipada por um retorno ao material de abertura, prefigura a forma sonata dos sinfonistas clássicos. Bach usa essa técnica em alguns de seus movimentos de concerto instrumental; os concertos têm outros elementos em comum com as primeiras sinfonias, especialmente no clima de seus movimentos líricos lentos e finais rápidos de dois metros.



A palavra sinfonia foi aplicada a uma sonata trio para flauta, oboé e continuo em Johann Joseph Fux Um instrumento-músico de concerto (1701), uma coleção de suítes cada composta um número (até 15) de danças bipartidas (duas seções) e peças descritivas. A intelectual e influente compositor da corte vienense, Fux partiu nesta sinfonia da suíte típica do século 17, que é apenas uma coleção de danças contrastantes na mesma tonalidade. A obra divide-se em duas grandes divisões, ambas compreendendo três movimentos curtos; o esquema principal é Fá maior, Ré menor, Fá maior - Fá maior, Ré menor, Fá maior e os três últimos movimentos têm títulos programáticos. Aqui não é apenas uma coleção de várias danças, mas uma tentativa consciente de relacionar os movimentos tonalmente e, assim, criar unidades hierárquicas maiores. Fá maior e Ré menor são tons intimamente relacionados, e não seria possível omitir um único movimento sem destruir a simetria do todo (não que qualquer grupo de três, ou mesmo cada dança, não soe bem por si só). Por meio dessa estrutura harmônica simples e equilibrada, Fux avançou além da arquitetura mais frouxa da suíte típica e, ao enquadrar um movimento de tonalidade menor entre dois movimentos na mesma tonalidade maior relacionada, ele antecipou a forma geral de muitas das primeiras sinfonias.



Tanto o Fux quanto o Bach foram produtos da evolução da tonalidade harmonia , um sistema de relações-chave que trouxe consigo a possibilidade de basear formas em larga escala não apenas na variação melódica ou contraponto, como antes, mas na tensão harmônica e modulação. (A modulação, ao contrário da simples mudança de tonalidade, implica o estabelecimento de uma nova tônica, ou centro tonal, por meio da progressão através de uma série de tonalidades relacionadas.) As modulações abrangentes e progressões harmônicas afetivas dos compositores barrocos alemães dependiam de temperamento igual , um sistema que permite a exploração de tons distantes da tônica sem a necessidade de afinação novamente para acomodar as harmonias remotas. Bach explorou esse sistema ao máximo, como fizeram muitos de seus contemporâneos do norte da Alemanha, mas sua rica paleta de harmônicos era estranha ao sul, onde surgiram muitos sinfonistas importantes. Preocupado menos com emoções poderosas ( Afeta ) e com mais clareza, os sulistas evitaram contrapontos intrincados e complicado progressões harmônicas, preferindo um vocabulário de acordes restrito e fraseado simétrico bem definido, dominado por melodia melodiosa.

Além da suíte e da abertura da ópera, o curto intermezzo humorístico, que se originou em Nápoles e floresceu por volta de 1685-1750, influenciou fortemente os sinfonistas pré-clássicos. Compositores napolitanos, encabeçados por Alessandro Scarlatti, preocuparam-se no intermezzo com a interação dramática e cômica entre dois cantores em dois ou três atos curtos compostos de árias, recitativos e duetos. Como os textos exigiam uma articulação clara e uma declamação cuidadosa, eles influenciaram a estrutura da frase melódica, dando origem a figuras de notas repetidas e breves motivos rítmicos ou melódicos. Essas frases normalmente se enquadram em unidades de duas medidas. O contraponto foi abandonado, pois tendia a obscurecer o texto, e as harmonias tornaram-se simples e lentas. Intermezzo melodias abundam em enfeites , acentos repentinos, sincopação (acentos deslocados) e saltos lúdicos que refletem a declamação do texto e não têm o arco amplo e alongado e o ritmo impulsivo das melodias barrocas típicas. Em vez disso, eles são compostos de motivos curtos unidos um ao outro e dão origem a frequentemente articulado grupos de frases. Esta palavra derivada idioma forneceu o impulso melódico das primeiras sinfonias.



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