Arte japonesa

Arte japonesa , a pintura , caligrafia, arquitetura, cerâmica, escultura , bronzes, esculturas em jade e outros objetos finos ou decorativos Artes visuais produzidos no Japão ao longo dos séculos.

Hokusai: The Breaking Wave off Kanagawa

Hokusai: The Breaking Wave fora de Kanagawa The Breaking Wave fora de Kanagawa , impressão a cores de xilogravura de Hokusai, da série Trinta e seis vistas do Monte Fuji , 1826–33. SuperStock



Principais perguntas

O que é arte japonesa?

A arte japonesa é a pintura, caligrafia, arquitetura, cerâmica, escultura e outras artes visuais produzidas no Japão desde cerca de 10.000 aC até o presente. Em seu corpo de expressão diverso, certos elementos característicos parecem ser recorrentes: adaptação de outras culturas, respeito pela natureza como modelo, humanização da iconografia religiosa e valorização do material como veículo de significado.



Pelo que é conhecida a arte japonesa?

O Japão tem uma longa e variada tradição de arte, mas é particularmente celebrado por sua cerâmica - tem uma das práticas de cerâmica mais antigas do mundo - e por suas pinturas em pergaminho suspenso, tela dobrada, leques dobráveis ​​e fusuma (porta ou paredes deslizantes); sua caligrafia; suas gravuras em xilogravura, especialmente as do ukiyo-e gênero (fotos do mundo flutuante); sua arquitetura de estrutura de madeira; sua laca; sua escultura em jade; seus têxteis; e seu trabalho em metal.

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Como a religião influencia a arte japonesa?

O budismo e, em menor grau, o xintoísmo, o sistema de crença mais antigo do Japão, foram influências na arte japonesa. O budismo veio da Coreia no século 6, levando à construção de locais religiosos e esculturas que aderiram a protótipos coreanos e chineses. Sua iconografia também deu forma aos kami, divindades xintoístas até então amorfas. Outros modelos budistas continuaram a influenciar a cultura japonesa, incluindo o Chan chinês (japonês: zen ), que ocasionou a cerimônia do chá no Japão.



Características gerais

O estudo da arte japonesa tem sido frequentemente complicado pelas definições e expectativas estabelecidas no final do século 19 e no início do século 20, quando o Japão foi aberto ao Ocidente. A ocasião de uma interação dramaticamente aumentada com outros culturas parecia exigir um resumo conveniente de japonês estética princípios, e historiadores de arte e arqueólogos japoneses começaram a construir metodologias para categorizar e avaliar um vasto corpo de material que vai desde cerâmica neolítica a gravuras em xilogravura. Formulado em parte a partir de acadêmicos contemporâneos Assessments e em parte das sínteses de generalistas entusiastas, essas teorias sobre as características dos japoneses cultura e, mais especificamente, a arte japonesa não inesperadamente aborreceu o preconceitos e sabores da época. Havia, por exemplo, uma tendência de lançar a arte da corte do período Heian (794-1185) como o ápice da realização artística japonesa. A preferência estética pelo refinamento, por imagens sutilmente imbuídas de significado metafórico, refletia o sublime matizado costumes da corte que permitiam apenas referências indiretas à emoção e sugestões valiosas em vez de declarações ousadas. Existindo em conjunto com a canonização da estética da corte de Heian estava a noção de que as sensibilidades estéticas em torno da cerimônia do chá eram essencialmente japonesas. Este ritual comunitário, desenvolvido no século 16, enfatizou o hiperconsciente justaposição de objetos encontrados e finamente trabalhados em um exercício que visa levar a sutis epifanias de percepção. Além disso, destacou o papel central da indireção e do eufemismo na estética visual japonesa.

Um dos mais importantes proselitistas da cultura japonesa no Ocidente foi Okakura Kakuzō. Como curador de arte japonesa no Museu de Belas Artes de Boston, ele expôs os mistérios da arte e da cultura asiáticas aos apreciativos brâmanes de Boston. Como autor de obras como Os Ideais do Oriente (1903), O Despertar do Japão (1904), e O livro do chá (1906), ele alcançou um público ainda mais amplo, ansioso por encontrar um antídoto para as chaminés de aço e arrotos da modernidade ocidental. O Japão - e, em grande escala, a Ásia - foi entendido como uma fonte potencial de renovação espiritual para o Ocidente. Houve um irônico contraponto às lições de Okakura, quando uma marinha japonesa totalmente moderna fez picadinho da orgulhosa frota russa que navegava pelo estreito de Tsushima no momento culminante do Guerra Russo-Japonesa (1904–05). Isso surpreendentemente belicoso O Japão era claramente mais do que chá e teia, e parecia que talvez uma definição excessivamente seletiva das artes e da cultura japonesas pudesse ter excluído sugestões úteis de violência, paixão e tendências profundamente influentes de heterodoxia.

No início do século 21, impressões superficiais do Japão ainda fomentavam uma imagem esquizofrênica incômoda combinando as características polares de refinamento elegante e proeza econômica. As armadilhas da simplificação excessiva foram observadas acima, no entanto, e um século de estudos, tanto japoneses quanto ocidentais, forneceu ampla evidência de uma herança de expressão visual que é tão complexa e variada quanto a cultura mais ampla que a produziu. No entanto, dentro do diversidade padrões e inclinações discerníveis podem ser reconhecidos e caracterizados como japoneses.



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A maior parte da arte japonesa carrega a marca de uma ampla interação ou reação a forças externas. O budismo, que se originou na Índia e se desenvolveu em toda a Ásia, foi o veículo de influência mais persistente. Forneceu ao Japão uma iconografia já bem estabelecida e também ofereceu perspectivas sobre a relação entre as artes visuais e o desenvolvimento espiritual. Influxos notáveis ​​do budismo da Coréia ocorreram nos séculos VI e VII. O estilo internacional Tang chinês foi o ponto focal do desenvolvimento artístico japonês no século 8, enquanto as iconografias do budismo esotérico chinês foram altamente influentes a partir do século 9. Principais imigrações de Chan chinês (japonês: zen ) budista monges nos séculos XIII e XIV e, em menor grau, no século XVII, deixaram marcas indeléveis na cultura visual japonesa. Esses períodos de impacto e assimilação trouxeram não apenas a iconografia religiosa, mas também características vastas e amplamente não digeridas da cultura chinesa. Estruturas inteiras de expressão cultural, desde um sistema de escrita a estruturas políticas, foram apresentadas aos japoneses.

Assim, várias teorias foram postuladas que descrevem o desenvolvimento da cultura japonesa e, em particular, a cultura visual como um padrão cíclico de assimilação, adaptação , e reação. O recurso reativo às vezes é usado para descrever períodos em que o mais obviamente único e indígena características da arte japonesa florescem. Por exemplo, durante os séculos 10 e 11 do período Heian, quando, por razões políticas, o contato extenso com a China cessou, houve consolidação e amplo desenvolvimento da pintura japonesa distintiva e escrevendo estilos. Da mesma forma, a vasta influência da estética Zen chinesa que marcou a cultura do período Muromachi (1338-1573) - tipificada pelo gosto pela pintura monocromática a tinta - foi eclipsada no início do período Tokugawa (1603-1867) por cores ousadas gênero e pinturas decorativas que celebravam o florescimento da cultura nativa da nação recém-unida. A noção de assimilação cíclica e, em seguida, a afirmação de independência requer extensa nuances , Contudo. Deve-se reconhecer que, embora houvesse períodos em que formas de arte continentais ou indígenas eram dominantes, geralmente as duas formas coexistiam.

Outro penetrante característica da arte japonesa é a compreensão do mundo natural como uma fonte de percepção espiritual e um espelho instrutivo da emoção humana. Uma sensibilidade religiosa indígena que muito precedeu o budismo percebeu que um reino espiritual era manifesto na natureza ( Vejo Shinto). Afloramentos rochosos, cachoeiras e velhas árvores retorcidas eram vistos como moradas de espíritos e eram entendidos como sua personificação. Este sistema de crenças dotou grande parte da natureza de qualidades numinosas. Ele nutria, por sua vez, um senso de proximidade e intimidade com o mundo do espírito, bem como uma confiança na natureza geral benevolência . O ciclo das estações foi profundamente instrutivo e revelou, por exemplo, que imutabilidade e transcendente perfeição não eram normas naturais. Tudo era entendido como sujeito a um ciclo de nascimento, fruição, morte e decadência. As noções budistas importadas de transitoriedade foram assim fundidas com a tendência indígena de buscar instruções na natureza.



A proximidade atenta com a natureza desenvolveu e reforçou uma estética que geralmente evitou artifício . Na produção de obras de arte, as qualidades naturais dos materiais constitutivos receberam destaque especial e entendidas como integrante a qualquer significado total que uma obra professou. Quando, por exemplo, a escultura budista japonesa do século 9 mudou dos modelos Tang de estuque ou bronze e se transformou por um tempo em madeiras naturais não policromadas, formas iconográficas já antigas foram fundidas com um respeito preexistente e multinível pela madeira.

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A união com o natural também era um elemento da arquitetura japonesa. A arquitetura parecia estar em conformidade com a natureza. A simetria das plantas dos templos em estilo chinês deu lugar a layouts assimétricos que seguiram o contornos de acidentado e montanhoso topografia . As fronteiras existentes entre as estruturas e o mundo natural eram deliberadamente obscuras. Elementos como varandas longas e vários painéis deslizantes ofereciam vistas constantes da natureza - embora a natureza muitas vezes fosse cuidadosamente organizada e fabricada, em vez de selvagem e real.



A obra de arte ou arquitetura perfeitamente formada, intocada e imaculada, foi considerada distante, fria e até mesmo grotesca. Essa sensibilidade também era aparente nas tendências da iconografia religiosa japonesa. A cosmologia sagrada hierárquica ordenada do mundo budista geralmente herdada da China trazia as características do sistema de corte imperial terreno da China. Embora algumas dessas características tenham sido mantidas na adaptação japonesa, também houve um concorrente e tendência irreprimível de criar divindades facilmente acessíveis. Isso geralmente significava a elevação de auxiliar divindades como Jizō Bosatsu (sânscrito: Kshitigarbha bodhisattva) ou Kannon Bosatsu (sânscrito: Kshitigarbha bodhisattva) Avalokiteshvara ) a níveis de maior devoção ao culto. O inerente a compaixão pelas divindades supremas foi expressa por meio dessas figuras e sua iconografia.

A interação do mundo espiritual e natural também foi deliciosamente expressa nas muitas pinturas narrativas de pergaminhos produzidas no medieval período. Histórias de fundações de templos e biografias de fundadores santificados estavam repletas de episódios descrevendo forças celestiais e demoníacas vagando pela terra e interagindo com a população em escala humana. Havia uma tendência marcante para a domesticação confortável do sobrenatural. A nítida distinção entre o bem e o mal foi suavemente reduzida, e os seres sobrenaturais assumiram características de humanos ambiguidade isso concedeu a eles um nível de acessibilidade, prosaicamente prejudicando o perfeito de qualquer um dos extremos.

Ainda mais obviamente trabalhos decorativos, como os esmaltes brilhantemente policromados sobre vidrados populares do século 17, selecionaram a preponderância de suas imagens de superfície do mundo natural. Os padrões repetidos encontrados em superfícies de tecidos, cerâmicas e artigos de laca são geralmente abstrações cuidadosamente trabalhadas de formas naturais, como ondas ou agulhas de pinheiro. Em muitos casos, o padrão, como uma espécie de dica ou sugestão de subestrutura molecular, é preferível ao realismo cuidadosamente reproduzido.

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O mundo cotidiano do esforço humano foi cuidadosamente observado por artistas japoneses. Por exemplo, a figura humana em uma multiplicidade de mundano poses foi gravada de forma memorável pelo artista de impressão Hokusai (1760-1849). O peculiar e bem-humorado raramente escapou à visão dos muitos criadores anônimos de pergaminhos medievais ou pinturas de tela de gênero do século 17. Sangue e sangue coagulado, seja na batalha ou no crime caos , foram vigorosamente registrados como aspectos inegáveis ​​do ser humano. Da mesma forma, o sensual e o erótico foram reproduzidos de maneiras encantadoras e sem censura. A reverência e curiosidade sobre o natural se estendeu da botânica a todas as dimensões da atividade humana.

Em resumo, a gama de artes visuais japonesas é extensa, e alguns elementos parecem realmente antitético . A iluminado manuscrito do sutra do século 12 e um macabro cena de seppuku (estripação ritual) representada pelo artista de impressão do século 19, Tsukioka Yoshitoshi, pode ser forçada a uma estética comum apenas da maneira mais artificial. O espectador é, portanto, aconselhado a esperar uma gama surpreendente de diversidade. Ainda, dentro disso diverso corpo de expressão, certos elementos característicos parecem ser recorrentes: arte que é agressivamente assimilativa, um profundo respeito pela natureza como modelo, uma decidida preferência pelo deleite sobre dogmático afirmação na descrição dos fenômenos, tendência a dar compaixão e escala humana à iconografia religiosa, e afeição pelos materiais como importantes veículos de significação.

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