Uma oração sem palavras: a história do andarilho

Faça uma viagem pelo labirinto de interpretações de uma das pinturas mais famosas da história.

'Wanderer above the sea of ​​fog', por Caspar David Friedrich, Wikicommons

Um conto de silêncio, um ícone da solidão humana frente às forças da natureza, ou talvez uma lembrança do grande artista?




Eu desci das montanhas,
O vale escurece, o mar ruge.
Eu vagueio silenciosamente e estou um tanto infeliz,
E meus suspiros sempre perguntam 'Onde?'



Este é o lamento do Wanderer de uma canção composta por Franz Schubert, de 19 anos, às palavras de G.P. Schmidt. O estranho procura um lar espiritual em todos os lugares, mas está condenado a vagar para sempre. A música de Schubert foi composta em 1821. Três anos antes, Caspar David Friedrich pintou um quadro que frequentemente ilustra as gravações da canção do compositor austríaco. DENTRO Anderer acima do Mar de Nevoeiro também acaba frequentemente nas capas de livros sobre a pintura romântica alemã. Mostra um homem por trás, com uma bengala, vestindo um sobretudo, de pé sobre uma rocha saliente. A seus pés, um espetáculo da natureza acontece: nuvens se erguem de um vale, expondo cumes rochosos. Mais longe, no horizonte, uma cordilheira se avulta envolta em uma névoa matinal. Nenhum outro pintor jamais criou um ícone comparável de solidão diante das forças da natureza; nenhum outro pintor mostrou com tanta ênfase a melancolia das esperanças não realizadas. O próprio Friedrich comparou sua obra de arte a uma oração. 'Assim como o homem piedoso ora sem dizer uma palavra e o Todo-Poderoso o ouve, assim o artista com sentimentos verdadeiros tintas e o homem sensível entende e reconhece isso. '

A pintura de Friedrich foi criada há 200 anos e nós, como seus espectadores, estamos entre os mais perspicazes. Acostumados com a versão escolar do Romantismo, às vezes esquecemos que era 'a religião decaída'. Caspar David Friedrich nasceu em Greifswald, no território da então Pomerânia sueca, na família de um caldeireiro de forte história protestante. Graças ao seu primeiro professor de pintura, ele conheceu o filósofo e panteísta Thomas Thorild e o poeta, pregador e teólogo Ludwig Gotthard Kosegarten. Este último elogiou a beleza da natureza levando ao encontro com Deus.



O próprio Friedrich Schiller disse em 1794 que a paisagem é perfeita para expressar ideias e emoções. No entanto, Friedrich's Altar Tetschen (1808) provocou polêmica: uma simples cruz sobre uma rocha rodeada de abetos vermelhos contra o fundo do céu que se tornava rosa. O crítico F.W.B. von Ramdohr foi mordaz quando escreveu que era 'uma verdadeira presunção, se a pintura de paisagem se infiltrasse na igreja e se arrastasse para o altar'. Na verdade, essa era para ser uma paisagem secular. Só mais tarde o conde Anton von Thun-Hohenstein insistiu em colocar esta pintura na capela de seu palácio. Querubins, caules de grãos e cálices de vinho esculpidos na moldura criaram o contexto correto, no entanto, a cruz solitária de Friedrich coberta com hera não era tanto um símbolo religioso quanto um elemento da paisagem. Respondendo às objeções de seus críticos, o artista explicou que 'Jesus Cristo, pregado na árvore, está voltado aqui para o sol poente, a imagem do pai eterno que dá vida.' No entanto, isso não significa necessariamente que o sol sempre simboliza Deus em suas obras, e que as árvores perenes devem ser associadas à esperança da ressurreição. Os contemporâneos de Friedrich frequentemente exageravam o aspecto religioso de suas obras, imaginando seu misticismo artificialmente sofisticado. Os críticos duvidavam se ser movido pelo espetáculo da névoa deveria ser associado à exaltação religiosa. No entanto, o escritor Ludwig Tieck afirmou que Friedrich havia sentido o espírito da época: 'Friedrich expressa o humor religioso e a empolgação que recentemente parece ter agitado nosso mundo alemão de uma maneira particular, em motivos delicados, solenes e melancólicos da paisagem.'

Friedrich pintou seus quadros no estúdio, com base em esboços anteriores desenhados no local. Suas composições são bem equilibradas, muitas vezes simétricas. Os troncos das árvores marcam o centro da composição ou emolduram-na; ramos diagonais não se projetam além da moldura. “Essa geometria insistente está de acordo com nosso senso moderno de decoro artístico”, escreveu John Updike. 'Se Friedrich pretendia sugerir Presença com suas vistas vazias e controladas, e podemos sentir apenas Ausência, bem, Ausência é um velho amigo, e não saberíamos o que fazer com a Presença se ela surgisse e nos acertasse no rosto . '

Os pensadores e poetas do século 19 buscavam a divindade na contemplação pessoal. A abordagem pictórica de Friedrich foi incidentalmente expressa por Ludwig Tieck em seu primeiro romance Caminhadas de Franz Sternbald . Um velho pintor, um eremita, considerado louco, diz ao protagonista principal: 'Eu não quero copiar árvores ou montanhas, mas minha alma, meu estado de espírito que reina sobre mim nesta hora, essas eu quero consertar para mim e comunicar para aqueles que são capazes de entender. ' As paisagens de Friedrich são geralmente divididas em duas zonas: um primeiro plano escuro com um homem em contemplação e a paisagem ao fundo, inundada de luz. Um dos principais truques estilísticos do mestre alemão são os chamados figura , uma figura mostrada por trás. Os detalhes da paisagem tornam-se menos importantes do que o fato de estar sendo observada e vivenciada. Por outro lado, nós, os espectadores, só podemos imaginar as emoções e os pensamentos da pessoa que vemos por trás.



A famosa pintura de Friedrich também foi interpretada como um conto de silêncio, de um indivíduo criativo alcançando o estado abençoado de estar sozinho com a natureza e seus próprios pensamentos. O estudioso americano Theodore Ziolkowski disse que o viajante sobre a rocha deve ser visto como Goethe. Na verdade, esta pintura é uma conversa peculiar com o autor de Fausto . O poeta pediu a Friedrich para pintar um conjunto de estudos de nuvens, de acordo com sua classificação, publicado recentemente por Luke Howard. Friedrich não podia aceitar tal desafio: nuvens cientificamente sistematizadas não iriam mais transmitir significados espirituais mais elevados. Para ele, isso seria 'o fim da pintura'. Portanto, seu quadro tem um caráter polêmico. A natureza não conforta, é ameaçadora e opressora. O andarilho está acima de um precipício.

Vale lembrar que DENTRO Anderer acima do Mar de Nevoeiro também funciona na imaginação coletiva como uma metáfora para a consciência alemã. Foi usado na capa de O espelho no 50º aniversário do fim da Segunda Guerra Mundial. Do alto da rocha, o homem da pintura contemplou os fantasmas do nazismo. Então, na capa de popa em outubro de 2015, o andarilho de Friedrich observou um mar de refugiados emergindo do mar de névoa. Pode ser que a pintura do romântico alemão hoje não seja apenas uma alegoria da solidão artística, mas também da névoa de onde emerge a consciência crítica, bem como a sensibilidade ao sofrimento dos outros.

Traduzido de o polonês por Anna Błasiak

Reproduzido com permissão de Seção . Leia o artigo original.


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