Capela Medici
A ocasião imediata para a capela foi a morte dos dois jovens herdeiros da família (chamados Giuliano e Lorenzo em homenagem a seus antepassados) em 1516 e 1519. Michelangelo deu sua atenção principal até 1527 para o interior de mármore desta capela, para ambos os desenho da parede e as figuras esculpidas nos túmulos; os últimos são uma extensão na forma orgânica do dinâmico formas dos detalhes da parede. O resultado é a apresentação mais completa existente das intenções de Michelangelo. Janelas, cornijas e similares têm proporções e espessuras estranhas, sugerindo uma revisão irracional e intencional das formas clássicas tradicionais em edifícios.
Michelangelo: tumba de Giuliano de 'Medici Tumba de mármore de Giuliano de' Medici por Michelangelo, 1520-1534; na Capela Medici, San Lorenzo, Florença. Wojciech Stróżyk / Alamy
Confinando essas superfícies ativas, os dois túmulos em paredes opostas da sala também são muito originais, começando com seus topos curvos. Uma figura masculina e uma feminina sentam-se em cada uma dessas bases curvas; estas são personificações de, em um túmulo, Dia e Noite, de acordo com a própria declaração do artista, e, no outro, Dawn and Dusk, de acordo com os primeiros relatos. Tais tipos nunca haviam aparecido em tumbas antes e referem-se, ainda segundo Michelangelo, ao inevitável movimento do tempo, que é circular e leva à morte.
Noite por Michelangelo Noite , escultura em mármore forma o túmulo de Giuliano de 'Medici por Michelangelo, 1520-1534; na Capela Medici, San Lorenzo, Florença. Scala / Art Resource, Nova York
As figuras estão entre as criações mais famosas e realizadas do artista. O imensamente massivo Dia e Crepúsculo são relativamente tranquilos em sua grandeza montanhosa, embora Dia talvez implique fogo interno. Ambas as figuras femininas têm as proporções altas e esguias e os pés pequenos considerados bonitos na época, mas por outro lado formam um contraste: Alvorecer , uma figura virginal, se estende para cima ao longo de sua curva como se estivesse tentando emergir para a vida; Noite está dormindo, mas em uma postura que sugere sonhos estressantes.
Alvorecer por Michelangelo Alvorecer , escultura de mármore do túmulo de Lorenzo de 'Medici por Michelangelo, 1520-1534; na Capela Medici, San Lorenzo, Florença. Scala / Art Resource, Nova York
Essas quatro figuras são naturalmente notadas mais imediatamente do que as efígies dos dois Medici enterradas lá, colocadas mais alto e mais atrás na parede nichos . Essas efígies, mais comuns em execução, também formam um contraste; eles são tradicionalmente descritos como ativos e atenciosos, respectivamente. Representados como tipos padrão de jovens soldados, eles eram percebidos não como retratos, mas como seres superiores idealizados, tanto por causa de sua alta posição quanto por serem almas além-túmulo. Ambos se viram para o mesmo lado da sala. Naturalmente, foi pensado que eles se concentram no Madonna , que Michelangelo esculpiu e que está no centro desta parede lateral, entre dois santos. As cabeças das duas efígies, porém, estão viradas em graus diferentes, e seu foco comum está em um canto da capela, na porta de entrada da igreja. Nesta terceira parede com o Madonna o tratamento arquitetônico nunca foi executado.
Crepúsculo por Michelangelo Crepúsculo , escultura de mármore do túmulo de Lorenzo de 'Medici por Michelangelo, 1520-1534; na Capela Medici, San Lorenzo, Florença. Scala / Art Resource, Nova York
A Biblioteca Laurentiana e fortificações
Durante os mesmos anos, Michelangelo projetou outro anexo a essa igreja, a Biblioteca Laurentiana, necessária para receber os livros legado pelo Papa Leão; era tradicional em Florença e em outros lugares que as bibliotecas fossem instaladas em conventos. O projeto deste foi restringido pelos edifícios existentes e foi construído em cima de estruturas mais antigas. Uma pequena área disponível no segundo andar era usada como saguão de entrada e contém uma escada que conduz à sala da biblioteca maior em um novo terceiro andar. A escada, conhecida como Ricetto , contém os designs de parede mais famosos e originais de Michelangelo. O rearranjo ousado e livre do tradicional prédio componentes vai ainda mais longe, por exemplo, para colocar colunas recuadas atrás de um plano de parede, em vez de na frente dele, como é de costume. Isso fez com que a obra fosse frequentemente citada como o primeiro e principal exemplo do Maneirismo como estilo arquitetônico, quando é definida como uma obra que contradiz intencionalmente o Clássico e o harmonioso, favorecendo a expressividade e a originalidade, ou como aquela que enfatiza o fatores de estilo para seu próprio bem. Em contraste, a longa sala da biblioteca é muito mais restrita, com fileiras tradicionais de escrivaninhas perfeitamente relacionadas ao ritmo das janelas e pequenos detalhes decorativos no piso e no teto. Isso lembra que Michelangelo não era invariavelmente pesado e ousado, mas modificou sua abordagem em relação ao caso particular, aqui para um efeito mais suave e silencioso. Por isso mesmo, a sala da biblioteca tem sido menos notada no estudo de sua obra. Na extremidade oposta da longa sala, em frente à escada, outra porta levava a um espaço destinado a conter os tesouros mais raros da biblioteca. Era para ser uma sala triangular, um clímax da abordagem de longo corredor, mas esta parte nunca foi executada no plano do artista.
O saque de Roma em 1527 viu o Papa Clemente em fuga ignominiosamente, e Florença se revoltou contra os Medici, restaurando a república tradicional. Foi logo sitiada e derrotada, e o governo dos Médici reinstalado definitivamente, em 1530. Durante o cerco, Michelangelo foi o projetista das fortificações. Ele mostrou compreensão das estruturas defensivas modernas construídas rapidamente com materiais simples em perfis complexos que ofereciam vulnerabilidade mínima aos atacantes e resistência máxima aos canhões e outras artilharia. Essa nova arma, que entrou em uso em meados do século XIV, havia conferido maior poder ao ataque na guerra. Assim, em vez dos castelos altos que serviram bem para fins defensivos na Idade Média, as massas mais baixas e mais densas eram mais práticas. Os pontos salientes, que também ajudavam no contra-ataque, eram frequentemente de tamanhos irregulares em adaptação para locais montanhosos específicos. Os desenhos de Michelangelo com execução rápida e viva refletindo esse novo padrão flexível foram muito admirados, muitas vezes em termos de forma pura.
Outros projetos e redação
Quando os Medici retornaram em 1530, Michelangelo voltou a trabalhar nas tumbas de sua família. Seu compromisso político provavelmente era mais para sua cidade como tal do que para qualquer forma governamental específica. Dois projetos separados de estátuas desta data são os Apollo ou David (sua identidade é problemática), usado como um presente para uma figura política recentemente poderosa, e o Vitória , uma figura pisoteando um inimigo derrotado, um velho. Provavelmente foi destinado ao túmulo nunca esquecido do Papa Júlio, porque o motivo estava presente nos planos para aquele túmulo. Victor e perdedor têm poses intensamente complicadas; o perdedor parece embalado em um bloco, o vencedor - como o Apollo —Forma uma espiral ágil. O Vitória O grupo tornou-se o modelo favorito dos escultores mais jovens do grupo maneirista, que aplicou a fórmula a muitos temas alegóricos.
Em 1534, Michelangelo deixou Florença pela última vez, embora sempre esperasse voltar para terminar os projetos que havia deixado incompletos. Ele passou o resto de sua vida em Roma, trabalhando em projetos em alguns casos igualmente grandiosos, mas na maioria dos casos de tipos totalmente novos. A partir dessa época, um grande número de suas cartas para sua família em Florença foram preservadas; muitos deles se concentraram em planos para o casamento de seu sobrinho, essencial para preservar o sobrenome . O pai de Michelangelo havia morrido em 1531 e seu irmão favorito mais ou menos na mesma época; ele mesmo demonstrava ansiedade crescente em relação à idade e à morte. Foi nessa época que o artista de quase 60 anos escreveu cartas expressando fortes sentimentos de apego aos jovens, principalmente ao talentoso aristocrata Tommaso Cavalieri, mais tarde ativo nos assuntos cívicos romanos. Estas foram naturalmente interpretadas como indicações de que Michelangelo era gay, mas sua orientação sexual não pode ser confirmada, pois nenhuma indicação semelhante surgiu quando o artista era mais jovem. A correlação dessas cartas com outros eventos poderia sugerir que ele estava procurando um filho substituto, escolhendo para esse propósito um homem mais jovem que fosse admirável em todos os sentidos e receberia bem o papel.
De Michelangelo poesia também é preservado em quantidade a partir desse momento. Ele aparentemente começou a escrever poemas curtos de uma forma comum entre os não profissionais da época, como uma espécie de carta elegante, mas se desenvolveu de forma mais original e expressiva. Entre cerca de 300 poemas preservados, sem incluir fragmentos de uma ou duas linhas, há cerca de 75 terminados sonetos e cerca de 95 madrigais acabados, poemas quase do mesmo comprimento que os sonetos, mas com uma estrutura formal mais livre. Em países de língua inglesa, as pessoas tendem a falar dos sonetos de Michelangelo, como se todos os seus poemas tivessem sido escritos dessa forma, em parte porque os sonetos foram amplamente divulgados em traduções para o inglês do período vitoriano e em parte porque o madrigal não é conhecido na poesia inglesa. (Não é o tipo de canção bem conhecido na música elisabetana, mas um poema com irregularidadesesquema de rimas, comprimento da linha e número de linhas.) No entanto, o fato de Michelangelo ter deixado um grande número de sonetos, mas apenas alguns madrigais inacabados, sugere que ele preferia a última forma. Os escritos até cerca de 1545 têm temas baseados na tradição dos poemas de amor de Petrarca e uma filosofia baseada no Neoplatonismo que Michelangelo absorveu quando menino em De Lorenzo, o Magnífico Tribunal. Eles expressam o tema de que o amor ajuda os seres humanos em seu difícil esforço para ascender ao divino.
Em 1534, Michelangelo voltou após um quarto de século para a pintura de afrescos, executando para o novo papa, Paulo III, o enorme Último Julgamento para a parede final da Capela Sistina. Este tema tinha sido um dos favoritos para grandes paredes finais de igrejas na Itália na Idade Média e até cerca de 1500, mas depois disso saiu de moda. Muitas vezes é sugerido que esta renovação de uma tradição devota veio dos mesmos impulsos que estavam levando ao Contra reforma sob a égide de Paulo III. O trabalho está em um pintura estilo visivelmente diferente daquele de 25 anos antes. O esquema de cores é mais simples do que o do teto: tons de pele contra um céu totalmente azul. As figuras têm menos energia e suas formas são menos articular , os torsos tendem a ser massas carnudas únicas sem cinturas. Na parte superior central, Cristo como juiz - rodeado por uma multidão de apóstolos, santos, patriarcas e mártires - levanta um braço para salvar os que estão à sua direita e deixa cair o outro braço para amaldiçoar os que estão à sua esquerda, sugerindo no idioma do período, uma balança para pesar humanos na balança. As almas salvas sobem lentamente através do ar pesado, enquanto os malditos afundam. Na parte inferior da parede, esqueletos erguem-se de tumbas, um motivo retirado diretamente de medieval precedentes. À direita, Caronte transporta almas através do River Styx , um motivo pagão que Dante tornou aceitável para os cristãos em seu Divina Comédia e que foi introduzida na pintura por volta de 1500 pelo artista da Úmbria Luca Signorelli. Michelangelo admirava esse artista por sua habilidade em expressar sentimentos dramáticos por meio da exatidão anatômica. O Último Julgamento , concebida como uma cena única, unificada e grandiosa sem elementos arquitetônicos para dividir e definir seu espaço, é permeada por um sentido de intensidade dinâmica derivada dos gestos e expressões emocionais do julgado.
Michelangelo: Último Julgamento Último Julgamento , afresco de Michelangelo, 1536-1541; na parede oeste da Capela Sistina, Palácio do Vaticano, Cidade do Vaticano. Scala / Art Resource, Nova York
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