10 cineastas de status de culto

Imagem publicitária de Kirk Douglas como Spartacus do filme

1960 Universal Pictures Company, Inc.

O que define um cineasta de culto? Esta é uma questão muito debatida entre cinéfilos, críticos e cidadãos da internet. Alguns dizem que um cineasta deve ter pouco ou nenhum reconhecimento mainstream, ao mesmo tempo que é altamente respeitado por um grupo íntimo. Outros definem mais liberalmente um cineasta de culto como qualquer diretor, escritor ou produtor que tenha uma base de fãs significativa devido às características específicas que definem seus filmes. Para fins desta lista e simplicidade, vamos adotar a última definição. Então sente-se com sua pipoca na mão e divirta-se lendo sobre cineastas com seguidores devotos!




  • Tod Browning (1880–1962)

    Embora Tod Browning tenha obtido um sucesso moderado com seus esforços absurdos e quase surrealistas na era do cinema mudo - que muitas vezes demonstrava uma certa estranheza geralmente auxiliada pelas atuações do dedicado Homem de Mil Faces Lon Chaney - e alcançado aclamação com Bela Legosi como Drácula (1931 ) em uma de suas primeiras produções sonoras, o mestre da carreira do macabro foi efetivamente encerrado pelo filme Anormais (1932). Os críticos censuraram o filme - que apresentava verdadeiros artistas secundários de circo, como mulheres barbudas, gêmeos siameses e microcefálicos - como horrível e repelente, e o estúdio limitou sua distribuição, enquanto a Grã-Bretanha o proibiu por mais de 30 anos. Não foi senão anos depois que a óbvia afeição de Browning por aberrações, conforme exibida no filme, foi abraçada pelos fãs, o que por sua vez fez com que a maior parte de seu repertório caísse na obscuridade e o elevasse ao status de cult. Hoje, os fãs de Browning se deliciam com as representações fantásticas, mas grotescas, criadas pelo diretor, e vêem sua adoção de aberrações como uma virtude, pois ele muitas vezes defendeu a aptidão moral dos desfigurados sobre os personagens bonitos, embora degradados.



  • Ed Wood (1924–1978)

    Imagem publicitária de Johnny Depp como Ed Wood no filme Ed Wood (1994); dirigido por Tim Burton. (cinema, filmes)

    Johnny Depp em Ed Wood Johnny Depp em Ed Wood (1994), dirigido por Tim Burton. 1994 Touchstone Pictures

    Ed Wood - o agora celebrado escritor, produtor e diretor cuja vida e obra inspiraram uma religião da cultura pop conhecida como Woodism - foi um fracasso completo em sua época, os anos 1950. Um travesti bastante aberto, Wood se aninhou em um minúsculo grupo de párias na periferia de Hollywood, onde se esforçou para criar espetáculos de tela grande. No entanto, todos os seus filmes caíram de cara no chão, mesmo aqueles com o respeitado Bela Lugosi. Alguns lucraram, mas mais por causa de seus orçamentos insignificantes do que qualquer outra coisa. Percebendo seus fracassos em Hollywood, Wood passou a dirigir vários graus de pornografia e a escrever romances pornográficos com tema de travestis até sua morte relacionada ao álcool aos 54 anos. A vida de Wood quase foi esquecida até que seu nome foi ressuscitado nos anos 1980 por uma lista que o considerou o pior diretor de todos os tempos, o que inspirou um elogiado filme biográfico de 1994 de Tim Burton. O que se seguiu foi a ressurreição do nome do diretor fracassado e uma aceitação completa de seu estilo de vida bizarro e estranhamente otimista. Muitos assistem e voltam a assistir seus filmes, que estão repletos de filmagens, cortes ruins e erros dos atores, e seguidores de culto se deliciam com o absurdo de sua visão, mais notavelmente exibida em sua magnum opus Plano 9 do espaço sideral (1959). Sua popularidade atual resultou até na reimpressão de alguns de seus textos pornográficos explícitos.



  • Stanley Kubrick (1928–1999)

    Poucos diretores são mais lembrados pela extensão da meticulosidade demonstrada em seu trabalho do que Stanley Kubrick. Um arquétipo de um perfeccionista, Kubrick era conhecido por assumir o controle completo sobre quase todas as facetas na criação de seus filmes, desde a escrita de seus roteiros até forçar cinegrafistas a ficarem parados enquanto ele ganhava prêmios por eles (como era o caso em Spartacus [1960]). Ganhando seu avanço crítico e comercial em 1964 com Dr. Strangelove; ou como aprendi a parar de me preocupar e amar a bomba , Os esforços satíricos irônicos de Kubrick lhe renderam fãs dedicados que aumentaram significativamente com a exibição de um dos, se não o mais, filmes de ficção científica renomados de todos os tempos: 2001: Uma Odisséia no Espaço (1968). Depois de provar ser um autor legítimo com o épico visualmente cativante de ficção científica, Kubrick voltou a um material mais controverso com Laranja mecânica (1971), que, como suas outras adaptações para o cinema de romances como Vladimir Nabokov Lolita (1962) e Stephen King's O brilho (1980), divide crítica e público igualmente. Kubrick se tornou conhecido por seus desvios do material original em tais adaptações, que, embora às vezes intrigantes, resultaram em cenários visualmente hipnotizantes, bem como roteiros e performances cativantes de seus atores, de quem ele exigiu muito esforço. Até o final, o diretor foi capaz de produzir multidões de bilheteria por causa de sua reputação de ser totalmente prático no manuseio de todos os seus filmes e ser capaz de lidar com o material mais delicado e polêmico que nunca falhou para despertar debates entre seus críticos e fãs. Até hoje, os fãs de Kubrick separam seus filmes para encadear teorias de mensagens que o diretor pode ter tentado articular - uma dessas teorias é que Kubrick's O brilho serve como uma confissão clandestina de que ele teve que encenar o pouso na lua em 1969 para o governo dos EUA!

  • David Lynch (1946–)

    David Lynch, 2002.

    David Lynch David Lynch, 2002. cinemafestival / Shutterstock.com

    Embora muitos provavelmente não estejam familiarizados com a maioria de seu trabalho, David Lynch escreveu e dirigiu vários filmes que ganharam seguidores cult. Na verdade, seu primeiro filme, de baixo orçamento e preto e branco Eraserhead (1977), embora muito grotesco e obscuro para alguns, foi rapidamente admirado e discutido pela crítica, rendendo-lhe um orçamento maior para seu próximo filme, O homem elefante (1980), que foi elogiado pelo tratamento cru de assuntos delicados que definiram grande parte do trabalho do diretor. Porque O homem elefante teve um sucesso comercial e de crítica tão profundo que Lynch recebeu um orçamento ainda maior para seu próximo filme, Duna (1984; uma adaptação da série de romance cult de mesmo nome de Frank Herbert), que fracassou terrivelmente nas bilheterias e perdeu milhões de estúdios. No entanto, ao longo dos anos, este filme ganhou cada vez mais elogios de Duna fanáticos, alegando que a visão artística de Lynch foi realizada adequadamente em um período de tempo limitado que não foi culpa dele. Após o flop inicial de Duna , no entanto, Lynch se recuperou rapidamente com o mistério surreal Veludo Azul (1986), que correspondeu, se não eclipsou, o elogio de O homem elefante . Conforme sua carreira progredia, o diretor voltou-se para a televisão por um breve período e co-criou Twin Peaks em 1990, que novamente, com suas tendências bizarras e surrealistas, encontrou um culto de seguidores. Repetidamente, o trabalho de Lynch encontrou admiração em nichos idiossincráticos do público que fomentaram sua fama e distinção como diretor de culto.



  • Christopher Guest (1948–)

    Um roteirista, diretor e ator, Christopher Guest é uma das únicas ameaças triplas que pode se classificar em 11 em 10. Guest pulou por Hollywood, trabalhando em sua escrita e direção até que se juntou ao diretor Rob Reiner para criar o hit dorminhoco Isto é Spinal Tap (1984). Creditado por escrever o roteiro e tocar um dos membros da banda mock, Guest provou ser um cofre de humor irônico, ao escrever e entregar algumas das falas mais citáveis ​​dos filmes. O sucesso do documentário mock / rock levou a várias aparições na TV, filmes para a TV e curtas-metragens baseados na banda, que foram todos bem recebidos por seus seguidores cult. No entanto, Convidado não permitiu que o filme dominasse sua carreira enquanto ele passava a interpretar o Conde Tyrone Rugen, o vilão, no inconcebivelmente hilário e freqüentemente citado A noiva princesa (1987), que acabou ganhando status de culto próprio. Depois de várias apresentações na televisão, como redação e direção, Guest voltou nos anos 2000 ao que ele conhecia melhor: mockumentaries. Ele escreveu e dirigiu Best in Show (2000), Um vento poderoso (2003), e Para sua consideração (2006), que satirizou a mania envolvida em exposições caninas, uma reunião de bandas folclóricas e a busca por elogios de Hollywood, respectivamente. Convidado empregou um elenco recorrente em todos os três filmes que incluíam Jane Lynch, Eugene Levy, Catherine O'Hara e Ed Begley, Jr. Convidado, portanto, ganhou seguidores devotos de fãs que apreciam tanto sua hábil manipulação de roteiros quanto seu uso magistral de o meio mockumentary.

  • Os irmãos Coen (Joel [1955–] e Ethan [1958–])

    Os irmãos Coen, Joel e Ethan Coen, com troféus do Oscar no Oscar de 1997.

    Ethan e Joel Coen após ganharem o Oscar de melhor roteiro original, 1997. Paul Smith / Featureflash / Shutterstock.com

    Os irmãos Coen, Joel e Ethan, desenvolveram uma base de fãs fervorosa ao longo de suas carreiras ainda em desenvolvimento. Suas comédias e dramas únicos são caracterizados por seu rico simbolismo e personagens infelizes, repletos de idiossincrasias que aumentam suas profundezas. Alguns de seus personagens mais famosos são o superestressado Barton Fink (interpretado por John Turturro), o absurdamente militante Walter Sobchack (John Goodman), e ninguém pode esquecer Jeff Lebowski, também conhecido como The Dude (Jeff Bridges), cujo talento para permanecer inspirou a religião do Dudeísmo. Os irmãos inicialmente alcançaram o status de culto com a exibição de Barton Fink (1991) na competição internacional de cinema de Cannes, onde surpreendeu críticos e fãs com seu enredo complicado e cheio de simbolismo sutil. Os fãs até hoje ainda discutem sobre o significado geral do filme, ou se ele pode realmente ser alcançado. No entanto, Joel e Ethan não deixaram acabar aí. Eles lançam a mais sombria das comédias de humor negro, Fargo , em 1996, que se concentrou em um sequestro falso mal sucedido que termina em tragédia para quase todos os envolvidos. Eles seguiram esse sucesso com seu agora icônico O grande Lebowski (1998), que inicialmente não alcançou o público. No entanto, uma vez lançado em DVD, os fãs dos diretores perceberam a hilaridade do filme, e muitos abraçaram o culto ao Dudeísmo como forma de conduzir suas vidas, simplesmente habitando um mundo confuso, cheio de caos e niilistas. Os irmãos Coen continuaram a produzir forte bilheteria com roteiros potentes até o século 21 com uma litania de filmes, incluindo O homem que não estava lá (2000), Onde os Fracos Não Tem Vez (2007), e Por dentro de Llewyn Davis (2013).



  • Sam Raimi (1959–)

    Este escritor, diretor e produtor é provavelmente mais conhecido por muitos de seus filmes mais recentes, mais notavelmente a trilogia Homem-Aranha, amplamente vista e recorde de bilheteria, que apresentou Toby Maguire, Kirsten Dunst e James Franco. No entanto, ele tem uma base de fãs muito mais concentrada para sua trilogia de terror exagerado, Evil Dead, que, com seu sangue que quase errou para o lado do desenho animado e seu trabalho de câmera inovador, revolucionou o gênero de terror. Com financiamento limitado, Raimi escreveu, dirigiu e produziu Os mortos maus em 1981, que aos poucos conquistou fãs e vendeu ingressos na Europa, renovando assim o interesse dos distribuidores norte-americanos pelo filme. Percebendo que o primeiro foi um sucesso sem fim, Raimi lançou uma sequência em 1987 que apresentava violência mais crua equilibrada com uma injeção de humor exagerado. Evil Dead II se saiu melhor nas bilheterias, concedendo a Raimi o prestígio que ele merecia e a chance de avançar para filmes de grande orçamento. O que se seguiu foi uma breve experiência com o gênero super-herói (ao qual ele voltaria mais tarde com grande sucesso) antes de voltar para Evil Dead para terminar a trilogia com Exército da escuridão (1992). A versão final foi atada com uma camada de fantasia, como o personagem principal viaja no tempo para 1300 CE para lutar contra um exército de mortos antes que ele possa encontrar o caminho de volta para seu próprio tempo. A trilogia de terror de Raimi persistiu como uma referência atemporal no gênero de terror e ainda é fervorosamente discutida por fãs obstinados. Na verdade, Raimi reconheceu a fidelidade de seus fãs e produziu um remake do original, dirigido por Fede Alvarez, em 2013, que provou ser mais um sucesso de bilheteria.

  • Quentin Tarantino (1963–)

    Atores americanos John Travolta (à esquerda) e Samuel L. Jackson em uma cena do filme Pulp Fiction 1994, filme dirigido pelo diretor de cinema e roteirista americano Quentin Tarantino.

    John Travolta e Samuel L. Jackson em Pulp Fiction John Travolta (à esquerda) e Samuel L. Jackson em Pulp Fiction (1994), dirigido por Quentin Tarantino. Filmes Miramax 1994



    Poucos nomes conotam entretenimento mais vividamente em Hollywood do que Quentin Tarantino. Com seu diálogo aguçado e representações evocativas de violência, Tarantino forjou um forte culto que o seguiu quase imediatamente. Depois de vender dois roteiros que mais tarde foram transformados em filmes aclamados - Romance verdadeiro (1993) e Assassinos Natos (1994) - o diretor, roteirista e produtor chegou à tela grande com Reservoir Dogs (1992), que se saiu razoavelmente bem nas bilheterias apenas para ser revivido mais tarde como um clássico cult entre os cinéfilos. Seu próximo filme tornou-se aquele com o qual Tarantino está mais intimamente associado e provou aos críticos e fãs que ele era de fato o verdadeiro negócio: Pulp Fiction (1994). Apresentando atores de renome como Samuel L. Jackson, Uma Thurman e Bruce Willis, o filme, com sua trama não linear que é vagamente conectada por seus vários personagens, tornou-se um clássico cult instantâneo, pois dividiu seu público entre aqueles que gostavam na narrativa confusa e aqueles que a acharam excessivamente confusa e desnecessariamente violenta - semelhante à reação geral a Reservoir Dogs . Tarantino continuou nessa linha, criando espetáculos violentos com base em tramas elaboradas em seus filmes seguintes, a saber, os dois filmes Kill Bill (2003 e 2004), Bastardos Inglórios (2009), e Django Unchained (2012). Prêmios e controvérsias seguiram quase todos os seus filmes, e seu culto continua a elogiar cada um de seus esforços, principalmente por sua abordagem direta, alimentada por uma legítima arrogância em suas próprias habilidades.

  • Wes Anderson (1969–)

    Wes Anderson, 2012. Wesley Wales Anderson, diretor e roteirista americano.

    Anderson, Wes Wes Anderson, 2012. Featureflash / Shutterstock.com

    Embora não tenha se tornado um nome familiar, o escritor e diretor Wes Anderson ganhou a aprovação de alguns dos diretores mais respeitados de Hollywood, como Martin Scorsese. Seu filme inicial, Foguete de garrafa (1994), que foi coescrito com o amigo e colaborador Owen Wilson (que também estrelou o filme), começou como um curta que ganhou um orçamento para se tornar um longa-metragem após uma exibição no Festival de Cinema de Sundance. Não chegou a arrecadar dinheiro nas bilheterias, mas com o tempo, conforme a filmografia de Anderson crescia, seus fãs revisitaram o filme e concederam uma grande honra ao seu esforço inicial, elevando-o assim a um status de culto. Anderson seguiu Foguete de garrafa com Rushmore em 1998, que estrelou Jason Schwartzman como um estudante cansado lutando pelo amor de um professor contra um magnata dos negócios deprimido com quem ele fez amizade recentemente (Bill Murray). O filme contou com um humor seco que identifica uma beleza profunda no que deveria ser considerado um material trágico, que se tornou uma marca registrada do trabalho do diretor, como foi o caso em seu filme seguinte, The Royal Tenenbaums (2001). Anderson exibiu fotos cuidadosamente planejadas que adicionaram uma estética idiossincrática ao seu estilo que, em conjunto com sua caneta hábil, cativou seus seguidores fervorosos. Os temas de seus filmes exploram dinâmicas familiares disfuncionais, bem como os desafios enfrentados por aqueles que crescem em tais ambientes. Anderson continuou a criar histórias bem elaboradas, acompanhadas por imagens de câmera e cenários visualmente deslumbrantes, o que resultou em uma constante valorização de seus fãs entusiasmados.

  • Kevin Smith (1970-)

    O escritor, ator, diretor e produtor Kevin Smith é creditado pela criação de um dos esforços independentes mais celebrados da indústria cinematográfica: Escriturários (1994). Foi filmado na loja de conveniência em que Smith trabalhava na época, e todas as filmagens tiveram que ser feitas à noite, após o horário da loja. Depois de concluído, Smith participou dos festivais de cinema de Cannes e Sudance, onde recebeu todos os tipos de elogios e aprovação. Mesmo que não tenha ido bem nos cinemas, Escriturários é conhecido pelos cinéfilos por seu diálogo zombeteiro cheio de referências da cultura pop, principalmente aquelas de ficção científica / fantasia e quadrinhos, e por lançar uma luz sobre uma subcultura que o mainstream de Hollywood teria indiscutivelmente continuado a ignorar. O que se seguiu ao sucesso de crítica de seu primeiro filme foi uma série de filmes habitando o mesmo universo que, embora capturados em estilos diferentes e cobrindo materiais variados de problemas de relacionamento a piadas sobre uso de drogas e sexo, estava vagamente interconectado por personagens e piadas recorrentes. Esses filmes incluem Mallrats (novecentos e noventa e cinco), Perseguindo Amy (1997), Dogma (1999), Jay e Silent Bob contra-atacam (2001), e uma sequência para o originador, Escriturários II (2006). Embora Smith tenha se distanciado de seu 'View Askewniverse' ao longo de sua carreira, foram esses filmes que lhe renderam um culto de seguidores duradouros.

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