5 pinturas angustiantes que capturam as duras realidades da guerra
Rejeitando o romantismo, estas famosas pinturas retratam a guerra como ela realmente é: sádica e sem sentido.
- Enquanto a pintura tradicional glorificava a guerra, os artistas modernos procuravam expor a sua falta de sentido.
- Pablo Picasso e Salvador Dalí recorreram à abstração para expressar o caos e o absurdo do conflito.
- Francisco Goya e Jan de Baen retrataram cenas tão desanimadoras que as palavras não conseguem descrevê-las.
Em 1855, o escritor russo Leo Tolstoy publicou três contos baseados em suas experiências na Guerra da Crimeia, conhecidos coletivamente como o Esboços de Sebastopol. Como muitos nobres russos, Tolstoi passou a adolescência no exército e – como muitos – mal podia esperar para experimentar pela primeira vez a batalha. Infelizmente, a realidade da guerra era nada parecido foi descrito em mitos, discursos e livros de história. Esperando glória e valor, Tolstoi encontrou apenas morte e destruição. Nos seus esboços, ele reflete sobre o fedor insuportável de cadáveres em decomposição, o olhar opaco e sem vida dos soldados feridos e o estado desorganizado dos exércitos russo e otomano.
Hoje, os Esboços de Sebastopol são amplamente reconhecidos como um dos primeiros exemplos de literatura anti-guerra: um gênero de histórias que refuta as representações tradicionais e mais positivas da guerra. Embora rara antes da época de Tolstoi, a literatura anti-guerra tornou-se mais comum após a Primeira Guerra Mundial graças a romances como o de Erich Maria Remarque. Tudo tranquilo na Frente Ocidental e Ernest Hemingway Um adeus às armas .
Uma trajetória pró-anti-guerra semelhante pode ser encontrada no domínio das artes visuais. Pinturas famosas como a de Diego Velázquez A Rendição de Breda (1635), Eugène Delacroix Liberdade liderando o povo (1830), e de Emanuel Leutze Washington cruzando o Delaware (1851) são, em essência, ilustrações do ponto de vista que Tolstoi queria desmascarar. Ao criar exibições heróicas de milícias em conflito e retratos grandiosos dos generais que as lideravam, os artistas ao longo da história ajudaram a reforçar a noção de que a guerra é nobre, justificada e sinónimo de providência e progresso.

Mas assim como alguns escritores começaram a descrever com precisão os horrores da guerra em suas histórias, os pintores também começaram a experimentar maneiras de retratá-los nas artes visuais. Curiosamente, enquanto o primeiro se baseava no realismo, o último se voltava para a abstração. Talvez isso se deva ao fato de o objetivo do pintor não ser mostrar quais batalhas visto como - uma tarefa que havia sido relegada à fotografia já na Guerra Civil Americana - mas, sim, para comunicar o que é lutar em um sentido como.
Abaixo estão quatro pinturas famosas que tiveram particularmente sucesso nessa empreitada.
Guernica por Pablo Picasso

A mais famosa e radical das pinturas famosas desta lista, Guernica é inspirado - e nomeado após - o bombardeio de 1937 em uma cidade no país Basco no norte da Espanha. O atentado, que o governo basco afirma ter matado 1.654 pessoas, foi executado pela Alemanha nazista e pela Itália fascista a pedido do ditador espanhol Francisco Franco, que esperava exterminar os rebeldes republicanos ali localizados.
Encomendado pelo governo republicano espanhol para a Exposição Internacional de Paris em 1937, Guernica é a primeira obra de Picasso que faz uma declaração política em vez de meramente estética. Preocupado anteriormente em redefinir o que pode e o que não pode ser considerado arte, o artista utiliza a abstração para evidenciar a falta de sentido deste ataque com motivação ideológica. 'A pintura,' escreve um crítico, “não faz um relato realista ou documental do bombardeio, mas alude, por meio de tonalidade, motivos e dispositivos estilísticos cubistas e surreais, ao caos horrível tornado possível pela guerra tecnológica moderna. [É] simbólico, e a expressão tem uma dimensão universal, até mesmo cósmica.”
Juntando-se às figuras mais reconhecíveis da pintura – uma mulher caindo de uma casa, uma mãe e um filho abraçados – estão dois dos símbolos favoritos de Picasso: o cavalo e o touro. Se as suas pinturas anteriores que retratam touradas oferecem alguma orientação, os animais representam dois lados da humanidade: o cavalo sendo a vítima feminina do touro, e o touro, meio afastado da cena e meio parte dela, sendo o agressor masculino. Questionado se este último simbolizava o fascismo, Picasso respondeu, em termos caracteristicamente opacos, “brutalidade e escuridão, sim, mas não fascismo”.
Construção Macia com Feijão Cozido (Premonição de Guerra Civil) por Salvador Dalí

Outra pintura da Guerra Civil Espanhola, de Dalí Construção Suave com Feijão Cozido antecede Guernica por um curto ano. Criado antes do início do conflito, o sempre excêntrico surrealista afirmou que o “poder profético de sua mente subconsciente” previu que isso aconteceria. Embora muitos historiadores da arte suspeitem que Dalí mudou o nome da pintura retrospectivamente para aumentar o seu apelo, ela continua a ser uma imagem impressionante.
Tal como Picasso, Dalí utilizou símbolos de género e imagens bizarras para expressar a sua atitude em relação ao conflito. A pintura, em linha com a maior parte da obra de Dalí, é tão difícil de descrever como de esquecer. Uma figura humanoide sorridente está em frente ao site dalipaintings.com descreve como uma paisagem “queimada pelo sol”. Precariamente equilibrada e despedaçada, a figura – uma confusão de membros sem um torso para conectá-los – é uma alegoria óbvia para o estado da Espanha. “Os grãos espalhados do título”, afirma o site, “exemplificam as bizarras incongruências de escala para evocar o funcionamento de uma mente inconsciente”.
Descrito por Dalí como um “delírio de autoestrangulamento”, Construção Suave com Feijão Cozido adota uma abordagem menos metafórica e mais psicanalítica da Guerra Civil Espanhola. A psicanálise e o surrealismo – o gênero de pintura que Dalí subscreveu e que ele agora sintetiza – andam juntos como Tolstoi e a Rússia. Tanto o psicanalista quanto o surrealista procuram compreender o mundo desperto através da construção aparentemente absurda, mas na verdade bastante sensata, dos sonhos. Na pintura, Dalí homenageia Sigmund Freud, o fundador da psicanálise, com um pequeno retrato escondido no canto da moldura. Mais óbvios são os muitos seios e pênis que emergem da figura possivelmente culminante. Comparáveis em significado ao touro e ao cavalo de Guernica, sugerem que a Guerra Civil Espanhola foi um ato de perversão sexual.
3 de maio de 1808 por Francisco Goya

Mais uma pintura espanhola, desta vez de um período histórico diferente. 3 de maio de 1808 – considerada, com a possível exceção de suas infames “pinturas negras”, a obra-prima de Goya – retrata as consequências de uma revolta fracassada contra a ocupação francesa da Espanha, que começou um ano antes, quando Napoleão Bonaparte substituiu o rei Carlos IV pelo próprio rei. irmão, José.
Em 2 de maio de 1808, eclodiram brigas de rua em Madrid depois que soldados franceses abriram fogo contra multidões que protestavam em frente ao palácio real da cidade. Centenas de manifestantes foram presos e colocados em frente a um pelotão de fuzilamento no dia seguinte. A impressionante composição de Goya revela seus pensamentos sobre o acontecimento: Os algozes franceses, de costas para o espectador, têm uma conduta quase mecânica. Nosso foco (e simpatia) está voltado para os pobres rebeldes, um dos quais abre os braços para imitar Cristo na cruz.
Inscreva-se para receber histórias contra-intuitivas, surpreendentes e impactantes entregues em sua caixa de entrada todas as quintas-feirasEsta imagem inequívoca serve como uma entrada na visão de mundo surpreendentemente complexa de Goya. Embora compreensivo com os rebeldes, o pintor há muito criticava a sociedade espanhola sob o governo de Carlos IV e de seu despótico filho Fernando VII. Ao mesmo tempo, ele nutria um amor não tão secreto por governantes “iluminados” como Napoleão. 3 de maio de 1808 foi pintado mais de seis anos após as execuções e foi encomendado por Ferdinand, provavelmente para desafiar Goya sobre sua lealdade durante a ocupação. Consequentemente, a característica mais marcante da pintura – o contraste moral entre os justos espanhóis e o cruel francês – pode na verdade ser o resultado da tentativa do pintor de escapar à perseguição, em vez de expressar os seus sentimentos não filtrados.
Os cadáveres dos irmãos De Witt por Jan de Baen

Na história holandesa, 1672 é conhecido como o Ano de desastre, ou “Ano do Desastre”. Isto porque, em Abril, a República dos Países Baixos entrou em guerra – e acabou por ser derrotada por – uma aliança conjunta envolvendo Inglaterra, França e os bispados de Munster e Colónia. Com o fim da Idade de Ouro Holandesa do século XVII à vista, os cidadãos de Haia descarregaram a sua raiva sobre o Grande Pensionário da República, Johan De Witt, que juntamente com o seu irmão Cornelis foram brutalmente linchados não muito longe do seu próprio gabinete.
Uma pintura de 1672-1675 atribuída ao artista holandês Jan de Baen mostra o que restou dos irmãos depois que a multidão se dispersou: eles foram despidos, amarrados em um poste de madeira (Johan um pouco mais alto que o mais velho, mas menos poderoso, Cornelis), castrados, e estripado. Seguindo fielmente os relatos de testemunhas oculares, De Baen pintou os irmãos sem dedos das mãos ou dos pés (estes foram cortados e vendidos como lembranças) e até acrescentou os restos mortais de um gato que um desordeiro teria enfiado dentro do corpo de Cornelis.
Ocasionalmente comparado a estudos de animais abatidos como o de 1655 de Rembrandt van Rijn Boi abatido , Os cadáveres dos irmãos De Witt talvez seja mais semelhante a uma forma de documentação histórica. Como algumas das primeiras gravuras em que se baseou, apareceu em textos antigos e novos para ilustrar algo tão horrível que palavras não conseguem descrever. O historiador de arte Frans Grijzenhout, escrevendo no Jornal de historiadores da arte holandesa , chegou ao ponto de argumentar que a pintura “poderia ser interpretada como uma espécie de duplo retrato político inverso”, uma comemoração da carreira dos De Witts e do terrível destino que os aguarda no seu final.
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