A idade média

A tradição de orações cantadas e salmos se estende às sombras da civilização primitiva. Esse canto sagrado era freqüentemente acompanhado por instrumentos e seu caráter rítmico era marcado. Na sinagoga, no entanto, as orações cantadas geralmente eram desacompanhadas. A dança ritual foi excluída da sinagoga à medida que o caráter rítmico da música sacra renunciava a seus aspectos mais sensuais. Mesmo nas próprias orações, o verso rítmico deu lugar à prosa. A exclusão das mulheres, a elevação do canto em uníssono e a exclusão dos instrumentos serviram para estabelecer uma clara diferenciação entre musical atuação na sinagoga e na rua.

A tradição de performance musical da Igreja Cristã cresceu a partir da tradição litúrgica do Judaísmo. As fórmulas melódicas para o canto de salmos e a recitação cantada de outras passagens das escrituras são claramente baseadas em modelos hebraicos.



Música no Romano católico a liturgia era realizada principalmente para a missa. Originalmente, a música era executada pelo padre e pela congregação, até que, com o tempo, emergiu da congregação um grupo especial de cantores, chamado de coro , que assumiu o papel musical de responder e contrastar o canto solo do padre. As mulheres participaram ativamente de apresentações musicais na antiga Igreja Cristã até 578, quando as práticas hebraicas mais antigas que as excluíam foram restauradas. Daquela época até o século 20, Igreja católica romana os coros eram compostos exclusivamente por homens e meninos.



A primeira codificação da música da igreja primitiva foi supostamente feita pelo Papa Gregório I durante seu reinado (590-604). A coleção de Gregory foi selecionada a partir de cantos já em uso. Sua codificação atribuiu esses cantos a serviços específicos no calendário litúrgico. Em geral, reforçava o simples, espiritual, estética qualidade da música litúrgica. A música desta coleção serve de modelo de design melódico ainda no século 21 e é considerada um dos monumentos da literatura musical ocidental. Esta escola de canto litúrgico uníssono é chamada de canto da planície, canto da planície ou Canto gregoriano . Detalhes específicos sobre a maneira como o canto era executado foram perdidos. Especula-se que a qualidade do som que os cantores empregaram era um pouco mais fina e nasal do que a usada pelos cantores contemporâneos. O autêntico estilo rítmico de canto não pode ser apurado . Existe uma teoria, entretanto, de que as unidades rítmicas básicas tinham o mesmo valor duracional e eram agrupadas em grupos irregularmente alternados de dois e três. Os níveis de tom e ritmos aparentemente variaram um pouco de acordo com a ocasião. Existem anotações de manuscrito preservadas que lembram os cantores de serem cuidadosos e modestos em seu trabalho, indicando que as tentações de desatenção e exibição vocal excessiva existiam até mesmo para os primeiros músicos litúrgicos.

Embora as tradições musicais modernas no Ocidente sejam baseadas em grande medida nos princípios da antiguidade preservados na música notada da igreja primitiva, um secular a prática musical existia; mas por causa do penetrante influência da igreja, a linha divisória entre sagrado e secular aspectos era tênue ao longo de boa parte do medieval período.



Vários tipos de canções seculares posteriores sobreviveram. As notações musicais são, em grande parte, inadequadas para dar uma impressão precisa da música, mas sabe-se que ela reteve o caráter monofônico essencial da música litúrgica. Um tipo curioso de música secular, o conductus, originou-se na própria igreja. Esta canção não usava melodias litúrgicas tradicionais ou textos, mas foi composta para ser cantada nos dramas litúrgicos ou para procissões. Por esta razão, tratou ocasionalmente de assuntos de caráter não religioso. As canções de goliard que datam do século 11 estão entre os exemplos mais antigos de música secular. Eram as canções latinas frequentemente obscenas de estudantes de teologia itinerantes que vagavam de forma bastante vergonhosa de escola em escola no período anterior à fundação dos grandes centros universitários no século XIII.

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Vários outros grupos de intérpretes medievais desenvolveram obras literárias e musicais gêneros baseado em vernáculo textos: os jongleurs, um grupo de artistas viajantes na Europa Ocidental que cantavam, faziam truques e dançavam para ganhar a vida; os trovadores no sul da França e os trovères no norte; e os minnesingers, uma classe de artistas-cavaleiros que escreviam e cantavam canções de amor com um toque de fervor religioso.

Instrumentos, como o velho , harpa, saltério, flauta, shawm, gaita de foles e tambores eram usados ​​durante a Idade Média para acompanhar danças e cantos. Trombetas e chifres eram usados ​​pela nobreza, e órgãos, tanto portativos (móveis) quanto positivos (estacionários), apareciam nas igrejas maiores. Em geral, pouco se sabe sobre a música instrumental secular antes do século XIII. É duvidoso que tivesse um papel importante além do acompanhamento. No entanto, a possibilidade de música litúrgica acompanhada não foi eliminada pelos estudiosos modernos.



O desenvolvimento musical medieval com as consequências de maior alcance para a execução musical foi o da polifonia, um desenvolvimento diretamente relacionado, como indicado acima, à experiência de execução do canto litúrgico. Para os performers e performance, talvez os desenvolvimentos mais importantes na esteira da polifonia foram os refinamentos rítmicos notação necessário para manter as linhas melódicas independentes sincronizadas. No início, o método visual óbvio de alinhamento vertical foi usado; mais tarde, à medida que as vozes superiores se tornavam mais elaboradas em comparação com as inferiores (derivadas do canto), e a escrita na partitura, portanto, desperdiçava espaço, métodos mais simbólicos de notação ritmo desenvolvido, mais importante dentro e ao redor da nova catedral de Notre-Dame em Paris.

No século 14, em parte devido ao declínio da força política da igreja, o cenário para novos desenvolvimentos na música mudou do campo sagrado para o secular, da igreja para a corte. Essa mudança levou, por sua vez, a uma nova ênfase na música instrumental e desempenho. Já as vozes mais baixas começaram a ser executadas nos instrumentos - tanto porque suas notas longas dificultavam o canto quanto porque seus textos (de apenas algumas sílabas) perdiam o sentido fora de suas posições litúrgicas originais. Agora, à medida que os príncipes seculares se tornavam patronos cada vez mais importantes de compositores e intérpretes - uma situação que continuaria até o século 18 - a música secular e instrumental floresceu. A música polifônica da igreja fundiu-se com a arte poética dos trovadores, e os dois compositores mais importantes da época foram o organista florentino cego Francesco Landini e o poeta francês Guillaume de Machaut, cônego de Reims.

A maior parte da música desses compositores parece ter sido destinada ao desempenho combinado vocal-instrumental, embora isso raramente seja expressamente indicado nos manuscritos. Os compositores medievais provavelmente não tinham expectativas rígidas sobre a mídia performática. Até o século 17, e mesmo até o 19 no caso de execução doméstica, a escolha dos instrumentos provavelmente dependia tanto dos executantes disponíveis quanto de qualquer outra coisa. Muitas fontes, no entanto, indicam que os músicos medievais tendiam a separar os instrumentos em dois grupos, altos e baixos ( Alto e baixo , ou, muito geralmente, vento e corda), e preferir sonoridades contrastantes dentro desses grupos para diferenciação máxima das partes individuais. Música ao ar livre ou cerimonial seria executada com instrumentos altos (shawm, bombard, trombone, órgão); música ambiente, com suaves (alaúde, viola, flauta doce, harpa). Pinturas e iluminuras de manuscritos do período mostram que muitas apresentações seculares incluíam uma ampla variedade de sinos, tambores e outros instrumentos de percussão e instrumentos com drones - gaita de foles, violinos, flautas-flautas, gurdins As partes para esses instrumentos nunca são encontradas nas fontes musicais e devem ser reconstruídas para o desempenho moderno.

A notação da música medieval muitas vezes é enganosa para o intérprete moderno. Acidentes (objetos cortantes e bemóis, chamados então música ) foram frequentemente omitidos como sendo compreendidos. Além disso, parece provável que a variação, o embelezamento e a improvisação foram elementos muito importantes da performance medieval. Sabe-se que seções de alguma música vocal em duas partes do século 15 foram melhorada por uma terceira parte extemporânea, em uma técnica chamada fauxbourdon; a notação do século 15 dança do baixo consistia em apenas uma única linha de notas longas não medidas, evidentemente usadas pelo grupo performático de três instrumentistas para improvisação, tanto quanto um moderno jazz gráfico do combo.

O renascimento

O próprio conceito de improvisação como uma mera subcategoria dentro da prática performática poderia surgir somente após a invenção de impressão de música , que a princípio teve pouco efeito perceptível no desempenho. A ornamentação extemporizada da música polifônica continuou e aumentou durante o século 16 em performance instrumental, vocal e combinada, tanto secular quanto sagrada. Mais tarde no século, a música litúrgica novamente se tornou menos extravagante na esteira do Concílio de Trento (1545-1563), que ordenou que as missas fossem cantadas com clareza e na velocidade certa e que o canto fosse constituído não para dar prazer vazio ao ouvido, mas de forma que as palavras possam ser claramente compreendidas por todos. A impressão de música era inicialmente cara demais para alterar seriamente a estrutura social da apresentação musical; as tradições de ostentação e exclusividade incorporadas na música escrita por Guillaume Dufay para a corte borgonhesa do início do século 15 continuaram nos magníficos estabelecimentos musicais dos príncipes e papas da Renascença italiana. Existem registros detalhados das elaboradas festividades musicais organizadas para casamentos e batismos da poderosa família florentina, os Medici . A impressão aumentou a divulgação e também a sobrevivência dessas obras; mas, como a anterior chanson borgonhesa e ao contrário da chanson parisiense contemporânea, que foi fundida em um molde mais popular, elas foram destinadas principalmente a um grupo seleto de performers exigentes.

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A impressão, tanto de música quanto de livros, documenta o desenvolvimento e sofisticação cada vez maiores da música instrumental durante o século XVI. As descrições impressas dos instrumentos datam do século XVI. Suas discussões sobre afinação e técnica supriram as necessidades de músicos profissionais e não profissionais. Havia uma tendência crescente de construir instrumentos nas famílias (consortes inteiros de homogêneo timbre, alto, médio e baixo), uma tendência talvez relacionada à expansão recente em ambas as extremidades da escala musical: com mais espaço disponível, as partes contrapontísticas não mais se cruzavam com tanta frequência e não precisavam mais da diferenciação fornecida pelos timbres marcadamente contrastantes de o consorte medieval quebrado.

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